/////English////
(Review originally written in Spanish)
(mas abajo la reseña original en español)
How I wish I could dance with you in the sky, to that beautiful song that played when we first met, when I felt like you were everything, when you saved me, when you enchanted me, and when I decided I would never let you go... because I love you...
*Howl's Moving Castle*, also known as *Hauru no Ugoku Shiro*, is Studio Ghibli's fourteenth feature film. I don't think I need to explain who they are or what they do...
It's a loose adaptation of the novel of the same name written by Diana Wynne Jones.
(Which I
...
plan to read, and if you're reading this sometime in the future, I'll leave my review of the novel at the end of this very review lol.)
But anyway...
Right from the start, this was one of the few Ghibli films I had never watched until today. I knew it was iconic, a modern classic, and that pretty much everyone loved it...
So...
How was it?
What did I think?
Is it really as good as people say?
Absolutely. It is all of that and so much more.
I have to say, I completely fell in love with this film—its characters, its music, its artwork, and its world—to the point where I burst into tears the moment it ended. I broke down... I completely broke down, and I don't think I'll ever be able to watch it again without crying. Just listening to Joe Hisaishi's *Merry-Go-Round of Life*—the film's main theme—is enough to make my heart shatter.
There are movies that stay with you forever. Regardless of their objective quality, they stay because of what they mean to you. Because art has the power to transform your world, transform your life, and make sure you're never the same person again.
I have a feeling that, from now on, *Howl's Moving Castle* will become one of those films I recommend to everyone.
Anyway, I think most people already know what it's about: Sophie's journey to break the curse placed upon her by the Witch of the Waste. Along the way, when she reunites with the wizard Howl, she discovers that nothing is what it seems. The one who appeared to have all the answers is actually the one carrying the greatest doubts and burdens.
At first, I thought *Howl's Moving Castle* would be an epic story about wizards and war...
But in reality, it's a story about the purest kind of love. A story about how growth isn't just physical, but emotional as well, and above all...
It's a story that tells me you can't save someone from the deepest abyss if you're trapped in one yourself.
You need to love yourself before you can truly love someone else. You need to love sincerely. You need love in order to grow. And you need love to finally become free.
*Howl's Moving Castle* is filled with allegories about growing up because, from my perspective, it's a story about how difficult it is to mature when you've spent your entire life being told how you're supposed to be.
Take Sophie, for example. In order to finally become "free" and truly grow, she has to leave home and explore the vast world on her own to break her curse. But here's the thing: that curse is much more complicated than it first appears. More than a curse, it's a reflection of how Sophie sees herself.
A girl who doesn't consider herself beautiful and believes her life has already been decided for her is transformed into an old woman. Honestly, it makes perfect sense because, as she herself says:
> "The good thing about being old is you've got so little to lose."
Maybe suddenly being forced to grow old was exactly the push she needed to begin the journey that would change her life forever.
Meanwhile, Howl, despite initially appearing mysterious and flawless, is really just a man-child who made reckless decisions and now spends his life running away from the consequences of his past mistakes.
He wants to be free, yes...
But freedom isn't doing whatever you want while having fun and running away from everything. That's being a drifter. That's isolating yourself so nobody truly knows who you are.
And that's immature.
It was both of their destinies to meet.
Sophie needed to gain confidence, courage, and finally learn to simply exist—not for someone else, but for herself—so that she could eventually stand beside Howl.
Howl needed to reveal who he truly was, stop believing he was just a bird flying aimlessly, settle down, love, enjoy life, and stop living at such a frantic pace. Because rushing through life makes you careless, and sometimes that carelessness ends up destroying you.
Sophie saw what nobody else saw. Beyond his beauty and his mystical aura, she saw someone who needed help because, just like her, he was trapped.
This is a true love story. One that feels incredibly real despite taking place in a magical world.
It's not about two people trying to fix each other.
It's about two deeply flawed people who fall in love and grow together as they gradually accept that they were made for one another.
And it's not just them.
Everyone grows in meaningful ways because they support one another and learn to genuinely care for each other.
The Witch of the Waste, once she returns to her true age, realizes that her obsession has kept her from ever being happy—that it only destroys everything around her. And it's only when she lets go of her unrequited love that both of them can finally become free.
Do you know why I think she became kind?
Because Sophie, Markl, and Heen gave her a home.
From my perspective, that's all she'd ever wanted.
Calcifer, despite being selfish and chaotic—as a demon naturally would be—learns what it means to care and to become part of a family. He no longer keeps everything running simply because it's his job, but because it's the life he chose... and because it makes him happy.
Then there's Markl and Heen, who embody the things every home needs: the cheerful, energetic child and the endlessly loyal little dog. Both offering unconditional support and affection to everyone around them.
And I think Turnip Head perfectly represents what this film is trying to say:
A single act of genuine kindness can free us from our chains, whether only a little or completely.
From what I've read, you can interpret this film however you want.
Without overthinking it, I also feel that, like many of Miyazaki's works, it portrays war through the eyes of people who don't actively participate in it—people who try to remain neutral.
And even that has consequences.
In another interpretation, I think Howl's character arc is about exactly that: people who spend their lives running away without choosing a side because choosing inevitably brings conflict.
And who wants conflicts forced upon them?
Maybe that's why the ending feels so peaceful.
Wars can end in a single moment... or they can last far longer than they ever should.
And perhaps this particular war needed someone like Sophie to finally bring it to an end.
But if we're talking about the soul of this film—the thing that truly gives it life—I can't ignore the reason it's called *Howl's Moving Castle* in the first place.
Howl's castle is the heart of the film.
At first I couldn't make sense of its shape. I couldn't quite figure out what it resembled.
But maybe I'm wrong...
Isn't it literally a heart?
One that's constantly changing, endlessly wandering, unable to find a place where it truly belongs.
It's a perfect reflection of Howl.
But it can also represent a home.
A place where these characters belong despite all of their flaws and struggles.
Maybe that's why it's destroyed and rebuilt by the end: so it can finally settle down.
The journey is no longer an escape.
It's a way to create memories, to spend time with the people you love, and finally become yourself.
It has become a journey filled with memories... and with love.
I think a true home isn't the place where you stop moving.
It's the place where, even if you keep traveling, you're no longer running away.
A place where you can finally be free.
And not just any kind of freedom...
But the kind where your choices truly matter.
/////////////////////////////////////////////////
(RESEÑA EN ESPAÑOL)
Como quisiera bailar contigo en el aire, esa hermosa canción que sono cuando nos conocimos, cuando senti que lo eras todo, cuando me salvaste, cuando me hechizaste y cuando decidí jamás dejarte ir… porque te amo…
Howl's Moving Castle, El Castillo Ambulante, el Castillo vagabundo o Hauru no Ugoku Shiro es la película número 14 del estudio gibli, no hace falta decir quienes son ni que hacen…
Adaptacion libre de la novela del mismo nombre escrita por Diana Wynne Jones
(la cual planeo leer y en dado caso que leas esto en el futuro dejare la reseña de la novela al final de esta misma reseña xd)
Pero en fin...
De buenas a primeras, esta es de las pocas cintas de Gibli que jamás vi hasta el dia de hoy, se que es emblemática, un clásico moderno y practicamente a todos les gusta…
¿Que tal estuvo?
Que me parecio?
¿Es tan buena como dicen?
Si totalmente, es eso y mas, Eh de decir que quede profundamente enamorado de la cinta, sus personajes, su música, su arte y su mundo al punto que me desborde en lágrimas cuando acabo… me rompi, me rompi y no creo que sea capaz de verla de vuelta sin echarme a llorar… tan solo con escuchar Merry-Go-Round of Life de Joe Hisaishi (la canción principal de la cinta) Siento que mi corazón se rompe…
Hay cintas que se quedan contigo para siempre, indepenideentemente de su calidad se quedan contigo por lo que significan para ti, porque el arte tiene el poder de tranformar tu mundo, tranformar tu vida, y nunca volver a ser la misma persona después de eso….
Siento que Howl's Moving Castle, de aquí a un tiempo, se convertirá en una de esas cintas que recomiendo a todos…
Pero, en fin, creo que la mayoría ya sabe de qué va, la cruzada de Sophie para romper la maldición que la Bruja Calamidad le puso, y en el camino al reencontrarse con el mago Howl nada es lo que parece; el que parecía tener la respuesta es el que tiene más dudas y problemas…
Inicialmente creí que Howl's Moving Castle sería una historia épica de magos y guerra… pero en realidad es una historia sobre el más sincero de los amores, una historia sobre cómo el crecimiento no es solo algo físico, sino también mental, y, sobre todo...
Es una historia que me dice que no puedes salvar a nadie del abismo profundo donde se encuentra si tú estás en las mismas…
Necesitas amarte para amar a otros, necesitas amar con sinceridad, necesitas amar para crecer y necesitas amar para, por fin, ser libre…
El Castillo Vagabundo utiliza muchas alegorías a la madurez, porque desde mi perspectiva es una historia que nos habla de lo difícil que es crecer cuando toda tu vida te dijeron que actúes de tal manera…
Desde Sophie, que para por fin ser "libre" y madurar requiere irse de casa y explorar ese mundo tan vasto y gigante por su cuenta para liberarse de una maldición, que ojo, en realidad es mucho más compleja, ya que más que una maldición es un reflejo de cómo se ve Sophie… Una chica que no se considera bonita y cree que su vida está dicha y hecha es convertida en anciana. Siento que tiene bastante sentido porque, como ella dijo:
"Lo bueno de hacerse mayor es que no tienes mucho que perder".
Tal vez madurar abruptamente es el empujoncito que necesitaba para emprender ese viaje que le cambiaría la vida.
Mientras que Howl, pese a parecer místico e impoluto al principio, se ve que es un niñote que tomó decisiones erráticas y ahora anda escapando de sus errores y sus malas decisiones del pasado, porque él quiere ser libre, sí, pero la libertad no es hacer lo que quieras mientras te diviertes y escapas, eso es ser un vagabundo… eso es aislarte sin que nadie sepa quién eres… y eso es inmaduro…
Fue el destino de ambos encontrarse. Sophie debía ganar seguridad, valentía y por fin "ser", no por alguien más, ser por y para ella, y por fin poder estar con él. Howl debía mostrarse como es, dejar de creerse un ave que volaba sin rumbo, asentarse, querer, disfrutar, dejar de tener una vida tan rápida, que lo rápido es descuidado y muchas veces eso llega a matarte…
Sophie vio lo que nadie vio, más allá de la belleza o del misticismo, vio a alguien que necesitaba ayuda porque, al igual que ella, estaba atrapado…
Esta es una verdadera historia de amor, una tan real incluso bajo un contexto mágico… no son 2 personas tratando de repararse, son 2 personas con muchos problemas que se aman y crecen en el transcurso mientras aceptan que están hechos el uno para el otro…
Y no solo ellos, todos crecen de forma significativa porque todos se apoyan y todos se llegan a querer.
La Bruja Calamidad, que al tener su verdadera edad puede ver que su obsesión hace que no pueda ser feliz, hace que todo a su alrededor se destruya y cuando deja ir a su amor no correspondido es cuando por fin ambos pueden ser libres. ¿Saben por qué creo que se hizo buena? Porque Sophie, Markl y Heen le dieron un hogar. Desde mi perspectiva, lo que ella quería era eso.
Calcifer, que siendo alguien un poco egoísta y caótico como lo puede llegar a ser un demonio, aprende a querer y ser parte de una familia, no hacer que todo se mueva y funcione porque sí, porque es su trabajo, sino porque así lo decidió y así es feliz.
También Markl y Heen son lo que no puede faltar en una casa, el niño tan alegre e hiperactivo y el siempre fiel perrito… ambos sirviendo como apoyo sincero y dando cariño a todos los personajes por igual.
Y siento que el Espantapájaros de Nabo representa muy bien lo que esta cinta nos quiere decir, un acto de cariño sincero es capaz de hacer que nos liberemos de nuestras cadenas, ya sea en mayor o menor medida…
Según he leído, le puedes dar la interpretación que quieras a la cinta. Sin darle muchas vueltas, también siento que, como muchas obras de Miyazaki, vemos la guerra a través de gente que no participa activamente y se mantiene neutral… y eso trae consecuencias. Siento que, en otra lectura, el arco de Howl se basa justamente en eso, gente que se la vive escapando sin elegir un bando porque eso implica conflictos… y ¿quién quiere conflictos forzados? Tal vez por eso el final es tan calmado, porque las guerras se pueden acabar de un minuto o durar mucho más tiempo del que deberían… y para terminar esta guerra necesitábamos a alguien como Sophie…
Pero si hablamos del alma, el jugo y lo que hace que esta cinta realmente... no puedo no mencionar la razón por la que esta cinta tiene ese título.
El castillo de Howl es el corazón de la cinta… al principio no le hallaba forma, no entendía exactamente a qué se parecía, pero podría estar equivocado,
¿pero literalmente es un corazón, no?
Uno que está en constante cambio, va y viene y no halla un lugar donde pertenecer.
Es totalmente el reflejo de Howl, pero también puede representar un hogar, un lugar donde nuestros personajes pertenecen con todo y sus problemas.
Tal vez se destruye y se rearma al final para por fin establecerse. El viaje ya no es un escape, es una manera de crear memorias, convivir con quienes amas y porfin ser tu… se convirtió en un viaje el cual estará lleno de recuerdos y amor…
Creo que el verdadero hogar no es un lugar donde dejas de moverte, sino un lugar donde, aunque sigas viajando, ya no huyes, donde puedes ser libre.
Y no una libertad cualquiera, sino una donde tus decisiones importan…
Aug 4, 2026
Howl no Ugoku Shiro
(Anime)
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Recommended Spoiler
/////English////
(Review originally written in Spanish) (mas abajo la reseña original en español) How I wish I could dance with you in the sky, to that beautiful song that played when we first met, when I felt like you were everything, when you saved me, when you enchanted me, and when I decided I would never let you go... because I love you... *Howl's Moving Castle*, also known as *Hauru no Ugoku Shiro*, is Studio Ghibli's fourteenth feature film. I don't think I need to explain who they are or what they do... It's a loose adaptation of the novel of the same name written by Diana Wynne Jones. (Which I ...
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May 15, 2026
Hoshi ni Negai wo: Fantastic Cat
(Anime)
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Mixed Feelings
/////English////
(Review originally written in Spanish) (mas abajo la reseña original en español) I know she’s alive… somewhere… I hope to see her again someday. *Wish Upon a Star: Fantastic Cat* is the sequel to a very obscure ONA that I personally liked a lot, *Wish Upon a Star: Cold Body + Warm Heart*, which I reviewed here: (https://letterboxd.com/yuzojoozu/film/wish-upon-a-star-cold-body-warm-heart/)) ... I recommend reading the previous review because it gives almost all the context about what this OVA is and what it’s generally about. Hikari and company return, though now in a much more secondary role. Atlantis is still searching for them and, in the middle of all that, we are introduced to the true protagonist of this ONA: Lilliy, a student at a virtual school that Hikari attends (purely out of curiosity, I assume). The two become friends and try to catch a cat and, throughout the process, we discover the truth about Lilly. “Wish Upon a Star” is a weird project, and this second part only makes it feel even weirder to me xddd. While the first ONA had experimental animation, really good music, and felt like the beginning of something, this second iteration has no cel shading, no particularly memorable soundtrack, and above all, it feels like just another episode of something much bigger… although it makes up for it with much better animated action scenes and moments that feel straight out of horror movies (plus the school setting is super memorable, I wish someone would recreate it in VRChat xd). Lilly’s story is good, but it could have been developed much more. She’s such a cute, sweet, and kind character, and her conflict is interesting: wondering whether she’s real or not, never having known anything beyond the confines of this school, believing she doesn’t exist… knowing that nobody can see her except Hikari, with whom she forms a beautiful friendship… She’s a truly tragic character, and her conclusion really is sad… though hopeful. But unlike Hikari, because she’s more mysterious, they don’t develop her the way they should, and her character arc just kind of stays there, with hopes that she’ll return, but that’s never going to happen… although the plot twist that she and Hikari might be sisters was something I absolutely loved… too bad it never really goes anywhere. And on top of that, for being the conclusion to this OVA duology, it leaves me with even more questions and feeling unsatisfied. I would’ve liked a third installment, mainly to wrap some things up and let the anime leave with its head held high and say: “yeah, this was brief but intense.” In reality, it was brief, fleeting, melancholic, and leaves you wanting more… *Wish Upon a Star: Fantastic Cat* is a strange conclusion, but a memorable one nonetheless. All of these characters will stay in my heart… connection lost, end of session (RESEÑA EN ESPAÑOL) Sé que está viva… en algún lugar… ojalá volverla a ver. Wish Upon a Star: Fantastic Cat es la secuela de un ONA muy desconocido que personalmente me gustó mucho, Wish Upon a Star: Cold Body + Warm Heart, a la cual le hice su reseña acá (https://letterboxd.com/yuzojoozu/film/wish-upon-a-star-cold-body-warm-heart/) Les aconsejo que lean la anterior reseña porque da casi todo el contexto de lo que es esta OVA y de qué va en líneas generales. Hikari y compañía vuelven, pero ahora en un papel más secundario. Atlantis los sigue buscando y, entre medias, se nos presenta a la verdadera protagonista de este ONA: Lilliy, una estudiante de una escuela virtual a la que asiste Hikari (meramente por exploración, quiero suponer). Ambas se hacen amigas e intentan atrapar a un gato y, en el transcurso, descubrimos la verdad acerca de Lilly. “Wish Upon a Star” es un proyecto raro, y esta segunda parte solo hace que me parezca aún más raro xddd. Mientras que la primera “ONA” tenía una animación experimental, música muy buena y parecía el inicio de algo, esta segunda iteración no tiene cel shading, no tiene un soundtrack memorable como tal y, sobre todo, parece un episodio más de algo mucho más grande… aunque se compensa con escenas de acción mucho mejor animadas y con momentos que parecen sacados de cintas de terror (además de que el escenario de la escuela es súper memorable, ojalá alguien la recreara en VRChat xd). La historia de Lilly es buena, pero se podría desarrollar mucho más. Es un personaje súper lindo, tierno y noble y su conflicto es interesante: el saber si es real o no, el nunca haber conocido más allá de los confines de esta escuela, el creer que no existe… el saber que nadie puede verla excepto Hikari, con quien entabla una linda amistad… Es un personaje trágico en toda regla y su conclusión verdaderamente es triste… aunque esperanzadora. Pero, a diferencia de Hikari, como es más misteriosa, no la desarrollan como deben y su arco de personaje se queda ahí nomás, con esperanzas de que vuelva, pero eso nunca va a suceder… pero el plot twist de que ella y Hikari podrían ser hermanas me encantó… lástima que se queda ahí. Y además, para ser la conclusión de la duología de OVAs, me deja con más dudas y con sabor a poco. Me hubiera gustado una tercera entrega, más que nada para cerrar algunas cosas y que el anime se pueda ir con la cabeza en alto y decir: “sí, esto fue breve pero intenso”. En realidad fue breve, fugaz, melancólico y te deja con ganas de más… Wish Upon a Star: Fantastic Cat es una conclusión extraña, pero memorable al fin y al cabo, todos estos personajes estarán en mi corazón… desconexión, fin de la sesión
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Apr 29, 2026 Recommended Spoiler
/////English////
(Review originally written in Spanish) (mas abajo la reseña original en español) Every time someone asked me, “What do you like?” I would answer, “I appreciate music.” However, music was never something I was truly passionate about, and thinking about it, I never dedicated enough time to it to even call it a hobby. So I’ve been thinking about changing my answer when people ask me that question… ... In short, I admire the emotions and the soul that artists convey through the sounds of their instruments. *Wish Upon a Star: Cold Body + Warm Heart* is one of those things that don’t feel real because of how beautiful, experimental, and obscure they are. It feels like part of a larger, beloved franchise, when in reality it’s one of those anime released directly to the internet and buried by time… Directed by Kazuya Ichikawa, an animator about whom almost nothing is known, *Wish Upon a Star: Cold Body + Warm Heart* is part of a 2009 duology of ONAs (Original Net Animation), alongside *Wish Upon a Star: Fantastic Cat*, its respective sequel. From the start, there isn’t much information about this anime—it’s as if it came from an alternate universe, and it feels very mystical, very niche. There isn’t even a fandom backing it, so I can’t really label it as a “cult anime.” A friend found it somewhere, translated it, encouraged me to watch it, and here we are. The story is a bit complex—it’s like mixing *Lain* with a bit of *Ghost in the Shell*. In fact, it made me realize something: the Japanese are obsessed with the future and the idea that the mind and the network can coexist within a single environment… The world has mostly become cyberspace… The story follows Hikari, a girl whose mother, Mari, has merged with a spaceship: “the Armadillo.” Hikari navigates what I understand to be something like a web-space belonging to “Atlantis,” an enemy faction that itself exists within cyberspace. During one of her expeditions, she finds Romeo, a researcher who, after losing his purpose, compressed himself and threw himself into cyberspace, and was later placed into a robotic “body” by Hikari and her mother. The two of them want to reach “Nikola Tesla,” a planetary computer; upon arriving, they find Hikari’s father, Raven… That’s basically the entire plot summarized. It’s clear there’s much more behind all of this. The first part of the duology introduces concepts that contribute greatly to the mythology of its world; even if things like Nikola Tesla, the Spellsinger, or Atlantis aren’t entirely clear, and the worldbuilding in general feels somewhat confusing and up in the air, rather than being a drawback, it allows for free interpretation to take over. It feels like part of something bigger and leaves you wanting more, because the world presented to us, in my eyes, is incredibly intriguing and doesn’t need answers… but it does leave too many questions. Is Hikari the only human left alive? Is she even human? Or is she half-and-half? Why did her mother merge with the ship? What’s going on with her father? Why is the world the way it is? These are things I hope the second part resolves… but if it doesn’t, it will only add to its mysticism. On the other hand, the reason I gave it such a high score is because this anime, despite its limitations, manages to be visually striking, mesmerizing, memorable, and, to some extent, quite profound. The 3D animation might not be the best, but it has a gorgeous cel-shading style that lets you overlook its limitations and appreciate the artistic direction, which tries to emulate traditional 2D animation—both in Hikari’s expressions and in some environments. It also takes a lot from *Serial Experiments Lain* and a bit from *The Animatrix*, let me tell you. It even carries hints of Yoshitoshi ABe’s art style and feels like something Yasuyuki Ueda could have produced; both of them worked on *Serial Experiments Lain* and *Texhnolyze*, respectively. Overall, it has that vibe of older space anime—full of introspection, slightly long silences, and robots that seem to have more feelings than human beings… Likewise, the music is INCREDIBLE. I can’t believe they composed something this good and that not many people recognize it. Even Masumi Ito (a Japanese artist known for contributing songs to anime like *Haibane Renmei* and *Record of Lodoss War*) did the ending for this anime, and it gave me a very strong sense of nostalgia. That woman’s voice is incredible, and the works she lends her voice to tend to be… sad and melancholic in one way or another. On the other hand, even though the characters aren’t very three-dimensional and feel more like a glimpse of what they will become, you grow attached to them—both because of the voice acting, which is extremely good and full of charisma, and because of the sense of family you get just from hearing them interact. Hikari is adorable, Mari is a mother, Romeo is memorable, and in one way or another, Raven is a mystical entity who deeply marked the protagonist; that audio is the only thing she has left of him… I loved *Wish Upon a Star: Cold Body + Warm Heart*, and I feel like it doesn’t get the recognition it deserves because: 1. It’s quite short, and OVAs often become cult pieces due to their limited distribution and lack of promotion. 2. CGI anime isn’t very well regarded. I would kill for 12 episodes and a movie, because it has the potential for that… But the fact that it’s so hidden and so short gives it, for me, immense value. It’s like finding a treasure that others ignored, but that you choose to value. We’ll meet again, Hikari… see you soon. (((RESEÑA EN ESPAÑOL)))) Cada vez que alguien me preguntaba: ¿Qué te gusta? Yo les decía: “Aprecio la música”. Sin embargo, la música nunca fue algo que realmente me apasionara y, pensándolo bien, nunca le dediqué suficiente tiempo a la música como para llamarlo un pasatiempo. Así que he pensado en cambiar mi respuesta cuando me hacen esa pregunta… En pocas palabras, admiro las emociones y el alma que los artistas transmiten a través de los sonidos de sus instrumentos. Wish Upon a Star: Cold Body + Warm Heart es una de esas cosas que no parecen reales por lo hermosas, experimentales y desconocidas que son. Parece parte de una franquicia más grande y querida, cuando en realidad es uno de esos animes lanzados directamente a internet y que el paso del tiempo enterró… Dirigidas por Kazuya Ichikawa, un animador del que se sabe casi nada, Wish Upon a Star: Cold Body + Warm forma parte de una duología de ONAs (Original Net Animation) del 2009, conformadas por esta y por Wish Upon a Star: Fantastic Cat, su respectiva secuela. Ya de entrada no hay mucha información sobre este anime, es como si viniera de un universo alternativo y se siente muy místico, muy de nicho, y ni siquiera hay un fandom que lo respalde, así que no le puedo poner el estatus de “anime de culto”. Una amiga lo encontró por ahí, le hizo su respectiva traducción, me animó a verlo y aquí estamos. La historia es un poco compleja, es como mezclar Lain con un poquito de Ghost in the Shell; de hecho, me hizo entender algo: los japoneses están obsesionados con el futuro y la idea de que la mente y la red puedan convivir en un solo entorno… El mundo se ha convertido mayormente en ciberespacio… La historia va acerca de Hikari, una chica cuya madre, Mari, se ha fusionado con una nave espacial: “el Armadillo”. Hikari navega por lo que, tengo entendido, es como un espacio web que le pertenece a “Atlantis”, una facción enemiga que, a su vez, está dentro del ciberespacio. En una de esas expediciones encuentra a Romeo, un investigador que, al perder su propósito, se comprimió a sí mismo y se arrojó al ciberespacio, y posteriormente fue puesto en un “cuerpo” robótico por Hikari y su madre. Estas dos quieren llegar a “Nikola Tesla”, una computadora planetaria; al llegar encuentran al padre de Hikari, Raven… Esa es básicamente toda la trama resumida. Se nota que hay mucho más detrás de todo esto. La primera parte de la duología te presenta conceptos que aportan mucho a la mitología de su mundo; incluso si cosas como el Nikola Tesla, el Spellsinger o Atlantis no quedan claras y, en general, el worldbuilding se siente medio confuso y al aire, más que ser una desventaja hace que la libre interpretación se haga presente. Es como si fuera parte de algo más grande y te deja con ganas de más, porque el mundo que nos presentan, a mis ojos, es algo súper intrigante que no necesita respuestas… pero sí deja demasiadas incógnitas. ¿Hikari es la única humana viva? ¿Siquiera es humana? ¿O es mitad y mitad? ¿Por qué su madre se fusionó con la nave? ¿Qué pasa con su padre? ¿Por qué el mundo está como está? Son cosas que espero que la segunda parte resuelva… pero si no, alimentará su misticismo. Por otro lado, la razón por la que le di un puntaje tan alto es porque este anime, pese a sus limitaciones, se las arregla para ser vistoso, alucinante, memorable y, en cierta medida, bastante profundo. La animación 3D podría no ser la mejor, pero tiene un cel shading precioso que hace que puedas pasar por alto las limitaciones y apreciar el apartado artístico que trata de emular una animación 2D tradicional tanto en las expresiones de Hikari como en algunos entornos, también toma mucho de Serial Experiments Lain y un poquito de Animatrix, déjenme decirles. Incluso tiene aires al arte de Yoshitoshi ABe y podría ser algo hecho por Yasuyuki Ueda; ambos trabajaron respectivamente en Serial Experiments Lain o Texhnolyze. En general, tiene esas vibras a esos animes espaciales de antaño, llenos de introspección, silencios medio largos y robots que tienen más sentimientos que los seres humanos… De igual manera, la música es INCREÍBLE. No me creo que hayan compuesto algo tan bueno y que no muchas personas lo reconozcan. Incluso Masumi Ito (artista japonesa conocida por aportar con canciones a animes como Haibane Renmei y Record of Lodoss War) hizo el ending de este anime, y me trajo un sentimiento muy fuerte de nostalgia. La voz de esa mujer es increíble, y usualmente los trabajos donde prestó su voz tienden a ser… tristes y melancólicos de una u otra manera. Por otro lado, aunque los personajes no llegan a ser muy tridimensionales y más parece una muestra de lo que llegarán a ser, les agarras cariño, tanto por el voice acting, que es exageradamente bueno y lleno de carisma, como por la relación de familia que se siente con tan solo escucharlos interactuar. Hikari es adorable, Mari es una madre, Romeo es memorable y, de una u otra manera, Raven es una entidad mística que marcó profundamente a la protagonista; ese audio es lo único que le queda de él… Amé Wish Upon a Star: Cold Body + Warm Heart y siento que no tiene el reconocimiento que merece porque: 1. Es bastante corta y usualmente los OVAs se vuelven piezas de culto por la poca distribución y publicidad que reciben. 2. El anime en CGI no está muy bien visto. Mataría por 12 capitulos y una película porque tiene el potencial para eso... Pero el hecho de que esté tan oculto y sea tan corto hace que, para mí, tenga un valor enorme. Es encontrar un tesoro que los demás ignoraron, pero al cual tú le das valor. Nos volveremos a ver, Hikari… hasta pronto.
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Feb 10, 2026
Aku no Hana
(Manga)
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/////English//// (mas abajo la reseña original en español)
(Review originally written in Spanish) How do you even begin a review of Aku no Hana? I thought about that for almost two days. It’s a very short work, yet deeply complex. It has layers and layers of emotional discomfort that strangely leave your heart in your hands. It gives you so much second-hand embarrassment that it takes you back to those days when you naïvely and immaturely believed that your youthful love would last forever… and it’s strange: yes, it does last forever — but not physically, rather emotionally, for better or for worse. Aku no Hana (Las flores del ... mal in Spanish and The Flowers of Evil in English) is a teenage coming-of-age/psychological manga created by Shūzō Oshimi and published from 2009 to 2014. Strangely, it falls under the shōnen demographic, even though I always believed it was seinen because of the themes it explores, how it handles them, and the constant references to suicide throughout the work — at least from my perspective. But the simple explanation is that it was originally published in a Kodansha shōnen magazine. In Japan, it seems demographics are defined by the magazine, not by the content or thematic maturity. Demographically it’s a shōnen — but a much harsher one. Reading it for a second time (since I’m planning to watch the adaptations), I noticed many details I didn’t catch when I first read it at around 12 or 14 years old, I think. And I feel the need to go deep into it because Aku no Hana is a tragically beautiful work that portrays adolescence as the harshest and most surreal stage of life in an extremely unpleasant — and therefore realistic — way. The story begins with three young hearts, a stolen gym uniform, and a deal that’s seriously messed up. The manga follows Takao Kasuga, an introverted boy obsessed with literature (especially Baudelaire). One day he does something stupid: he steals the gym clothes of the girl he likes, Nanako Saeki… and Sawa Nakamura, a classmate considered the class weirdo, discovers him. But she doesn’t expose him; in fact, she’s fascinated by what he did, and they begin a super strange and sick relationship mostly built on perversion, desire, hero complexes, and “crossing over to the other side”… while Kasuga sinks deeper into his own confused mind, overwhelmed by his feelings for both Saeki and Nakamura. Let’s start with the art. As the story progresses, the artwork improves drastically. It’s one of those manga where you can see the drawing quality climbing uphill — it looks pretty “meh” at first, but it becomes incredible as you keep reading. There are dreamlike panels full of eyes and flowers that give the work its essence, strange and surreal places that feel forbidden. This contrasts with the very normal character designs; they feel correct, everyday, and that’s clearly intentional. The author turns something ordinary — like hormones — into something terrifying. But above all, I want to highlight Nakamura, who is often extremely beautiful even when expressionless… and that’s frightening. Aku no Hana gives me two feelings: everyday beauty and romantic chaos. Sometimes the reading feels heavy, mostly because of how the story unfolds; there were moments when I stopped reading because I genuinely didn’t want to know what would happen next. The embarrassment and discomfort this work creates are unpredictable… and addictive. I reread it all in one night and found it engaging yet heavy — in a good way. Alongside that uncomfortable shame and those horrifyingly realistic moments, there’s also a kind of misunderstood beauty: in its framing, in its nostalgia, in the small peaceful Japanese town, in a city that doesn’t understand your suffering… And the world Aku no Hana presents is constantly unstable. On the surface it’s a normal town, but through Kasuga’s eyes everything becomes distorted. Once he meets Nakamura, everything turns darker, more nihilistic, more decadent, more obscene… Talking about the characters could take forever because, even though only a few truly matter, they’re incredibly well written. Everyone has their own worldview, everyone is morally gray, and the story plays with that: it makes you care deeply about them — or hate them, get fed up with them, and wish they’d disappear. I’ve seen many people do psychological analyses of the characters, and honestly, that’s probably the best way to approach them. The protagonists are broken teenagers who grew up without a clear direction, trapped by their past in that town. Nakamura practically seems mentally ill, and most characters in the first half of the story feel deeply traumatized. At times it feels like you’re following the story of teenage scum — but in reality you’re following a boy who thought he was better than others and who, through terrible luck (and his own disgusting desires), gets entangled with someone who not only destroys that belief but pushes him to embrace something he never should have. Kasuga is a very strong protagonist. He’s a loser who thinks he’s superior, different, unique because of his obsession with reading — especially Baudelaire, who isn’t just a random reference. I’ve only read a few of Baudelaire’s poems, several from Les Fleurs du Mal, but I know his style, and Aku no Hana feels like an ode to everything that book represents: dirty desires, guilt, decadence — but above all, beauty within ugliness and the longing for the forbidden… It’s no surprise that someone like Kasuga would love such a complex and tangled book about hidden intentions. I feel he loves Les Fleurs du Mal because it embodies everything he wants to do, everything he wants to scream… because within that chaos lies his sense of freedom. He’s absolutely not a good person. He can be unpleasant, he romanticizes his own suffering, and although he loves literature, he uses it as a shield of moral and intellectual superiority. Kasuga doesn’t love Baudelaire just because he understands him — he loves him because he believes it separates him from everyone else. And when that illusion breaks, he breaks too. And who breaks him? The face of this story: Sawa Nakamura. Nakamura is my favorite character — not because she’s kind or innocent, but because she’s the complete opposite. She sees people as nothing: trash, insects. She has no empathy or respect. When she sees someone different, someone who embraces the wrong things, she doesn’t fall in love — she becomes obsessed. But her obsession is volatile and unstable… and yet she pushes Kasuga to the extreme. Nakamura views the world through deep pessimism — and no, she’s not just edgy. She hates hypocrisy; she’s disgusted by people pretending to be good when she sees them as “scum.” So when she sees Kasuga embracing his most disgusting side, she finds in him a partner, someone real like her: misunderstood but honest. She searches for reality, no matter how morbid it is. She has already accepted that the world is garbage and doesn’t need poetry to see it. She has embraced nihilism. She expects nothing from anyone and cares about nothing. She’s trapped in that filthy town and only wants to reach “the other side” with someone as real as she is. There is no beauty in suffering — only desperation and loneliness. Her worldview often feels like an acidic response to Baudelaire. Many times I thought about how selfish and cruel she is, but at the same time I pity her; I don’t think she’s like that for no reason. Maybe her parents’ divorce, maybe the school environment, maybe she was just born that way. Yet she also seems aware of her problems and unwilling to change or seek help — and that’s where her responsibility lies. You can tell Aku no Hana was written in a time when therapy wasn’t as normalized, because otherwise the story would probably have been very different… She makes me ask an interesting question… Is honest cruelty better… or kind hypocrisy? Nakamura heavily influences how Kasuga sees the world, and that ends up hurting a third person: Nanako Saeki. Nanako Saeki is a fascinating character. She starts as the protagonist’s love interest and seems like the perfect, pure girl he idealizes. What I love about Aku no Hana is how it breaks characters apart and slowly rebuilds them — with visible cracks — and Saeki is the clearest example. She is the main victim here. At first she’s “clean,” so to speak. The conflict begins with the harm done to her. Kasuga defends Nakamura in class against a false accusation, which is what makes Saeki notice him and eventually date him. I both hated and loved this twist because everything that happens to this girl is deeply disturbing. She feels like a pawn in the twisted chess game between those two, and I constantly feared she would find out… BUT SHE HAD TO. And what happens when she discovers that the pseudo-intellectual boy she’s dating not only stole her clothes but has gone completely off the rails and is committing acts that violate basic human decency? She becomes even more obsessed… Saeki is a sheltered girl, forced to study and play piano, barely allowed to go out. When she sees how “different” Kasuga is, she wants to know more about him. She agrees to be his girlfriend on their first date because she knows nothing about the world, and she becomes trapped in this teenage drama — begging for attention, begging for normal affection from someone she thinks she loves. She was ready to forgive him, but Kasuga chose another path: he “fell in love” with Nakamura. Saeki is deeply hurt but doesn’t expose him; she just wants him back because he was the most different thing in her monotonous life. She would rather live with something broken than return to her empty world. Kasuga broke Saeki’s world, Nakamura broke Kasuga’s world, and the world itself broke Nakamura. Strangely, all this reminds me of works like Oyasumi Punpun and Welcome to the NHK, because at some point all three involve a sort of “love triangle” while the protagonist is falling apart — though the outcomes are very different. I divide Aku no Hana into two parts: Before the festival — and after the festival. All the catastrophic events happen before the festival, including the story’s climax: the attempt to reach the other side… What is the other side? This is what holds the story together — what gives meaning to the dreamlike panels and cryptic dialogue: the other side. Shown through sinister eyes opening and flowers lifted by the wind, it’s more than just an allegory for suicide. I always saw it as the desire to escape that awful town — to leave behind a fake world. But it can mean many things. From Nakamura’s perspective it could be escapist fantasy; from Kasuga’s, a way to save her from everyday life — even if it means ceasing to exist… when in reality he’s just sinking with her. It’s a point of no return… Unexpectedly, just before everything burns and ends, she pushes him away and technically saves him. There’s no clear explanation; later she says she forgot why she did it — and that mystery becomes what haunts Kasuga for years. After the festival… Three years have passed. Everyone’s life has changed, and Aku no Hana shifts from a teenage drama about beauty within decay into a story about confronting the past instead of running from it — about accepting it in order to truly live. The story becomes more introspective, focusing on rebuilding a life. Near the end, Kasuga becomes more withdrawn and abandons his love of reading. The incident and the memory of Nakamura consume him. He reconnects with people from his past, including Saeki, who now has a boyfriend who looks like him. She’s bitter and makes him question whether he really changed… even though he wants to move on because he’s found someone he wants to be happy with. Aya Tokiwa enters his life — a girl who shares his love for literature, and they gradually fall in love. She reignites his passion for reading. Honestly, I found it a bit silly how quickly she left her boyfriend after Kasuga confessed his love… but it’s true that he showed genuine interest in her hobbies and feelings. He didn’t see her as a savior figure but as a person — her books, her world. They gave each other something meaningful, which makes her feelings believable… even if she sometimes feels too perfect, especially when she helps him search for Nakamura. Together with Aya, Kasuga finally meets Nakamura again in one of the most beautiful scenes in the manga. Kasuga: Why did you save me? Nakamura: I don’t remember. Nakamura seems mostly the same — just calmer, more mature. All those thoughts must still be there, only now she controls them better. She acts cold but oddly kind toward Kasuga… and I think that unsettles him. Kasuga: Why did you save me? Nakamura: I don’t remember. They end up punching each other on the beach. It’s cathartic, sublime — something that needed to happen to prove they had both changed, that they both had lives beyond the past. And finally, after so much suffering, regret, and melancholy, the past stops attacking you… it becomes a memory you will carry forever, no matter how painful it was. Thank you. /////Español//// ¿Como empiezo una reseña de Aku no Hana? Pensé en eso casi dos días. Es una obra cortísima, pero profundamente compleja. Tiene capas y capas de incomodidad emocional que extrañamente te dejan con el corazón en la mano. Te da tanta vergüenza ajena que te lleva a los días donde crees ingenuamente y de manera inmadura que ese amor de juventud será para siempre… y es extraño: sí es para siempre, pero no de manera física, sino de manera emocional, ya sea para bien o para mal. Aku no Hana (Las flores del mal en español y Flowers of Evil en inglés) es un manga adolescente coming of age/psicológico creado por Shūzō Oshimi que se publicó del 2009 al 2014. Extrañamente entra en la demografía shōnen cuando siempre creí que era un seinen por los temas que trata, la manera en la que los trata y las referencias al suicidio que están por toda la obra desde mi punto de vista. Pero la simple explicación es que originalmente se publicó en una revista shōnen de Kodansha. En Japón, al parecer, la demografía se define por la revista, no por el contenido o la madurez temática. Demográficamente es un shōnen, pero uno mucho más crudo. Al leerlo por segunda vez (ya que tengo planeado ver las adaptaciones que le hicieron), me di cuenta de muchos detalles que no tomé en cuenta cuando leí la obra a mis 12 o 14 años, creo. Y tengo la necesidad de explayarme porque Aku no Hana es una obra trágicamente preciosa que toca la adolescencia como la etapa más dura y surreal de una vida de manera extremadamente desagradable y, por ende, realista. La historia empieza con tres corazones jóvenes, el robo de ropa de gimnasia y un trato que da jodido miedo. El manga trata sobre Takao Kasuga, un chico introvertido obsesionado con la literatura (especialmente Baudelaire). Un día comete una estupidez: roba el uniforme de la chica que le gusta, Nanako Saeki… y una compañera considerada el bicho raro de su clase, Sawa Nakamura, lo descubre. Pero no lo delata; de hecho, está fascinada por lo que hizo e inician algo así como una súper extraña y enferma relación que se basa mayormente en perversión, deseos, complejos de héroe e “ir al otro lado”… mientras que Kasuga se hunde cada vez más en su propia mente, confundida por esa explosión de sentimientos tanto por Saeki como por Nakamura. Empecemos por el arte. A medida que la obra avanza, el arte se va puliendo. Es de esas obras donde ves cómo el dibujo va cuesta arriba porque inicialmente se ve muy meh, pero a medida que lees se vuelve increíble. Hay paneles oníricos llenos de ojos y flores que dotan de esencia a la obra, lugares extraños y surreales que se sienten prohibidos. Eso es disonante porque el diseño de los personajes es súper normal; los siento correctos, cotidianos, y esa es la intención del autor: hacer que lo cotidiano y algo tan común como las hormonas sean algo terrorífico. Pero quiero destacar más que nada a Nakamura, que muchas veces es demasiado hermosa incluso cuando es inexpresiva… y eso da miedo. Aku no Hana me transmite dos cosas: belleza cotidiana y caos amoroso. Muchas veces la lectura se hace pesada, más que nada por cómo la historia se va desarrollando; a veces paraba de leer porque genuinamente no quería saber qué pasaría después. La vergüenza e incomodidad que transmite esta obra es muy impredecible… y te engancha. Yo me lo releí en una misma noche y lo sentí ameno pero pesado (para bien). Junto con esa vergüenza incómoda y los momentos tan horrendos que podrían llegar a ser realistas, existe un tipo de belleza incomprendida: en sus planos, en la nostalgia, en el pequeño pueblo japonés con un ambiente pacífico, en una ciudad que no comprende tu pesar… Y el escenario que te plantea Aku no Hana se tambalea constantemente. En sí, en la historia vemos un pueblo normal, pero a través de los ojos de Kasuga todo se va distorsionando. Al conocer a Nakamura todo se vuelve más oscuro, más nihilista, más decadente, más obsceno… Hablar de los personajes me llevaría tiempo porque, como son pocos los que realmente importan, están súper bien hechos. Todos tienen su manera de ver el mundo, todos son grises, y la obra juega con eso: te hace quererlos mucho y preocuparte por ellos, o te hace odiarlos, hartarte y querer que se mueran. He visto a muchas personas hacerles análisis psicológicos y claro que eso es lo mejor que se puede hacer. Los protagonistas son adolescentes rotos que maduraron sin un rumbo claro porque su pasado los mantiene cautivos en esa ciudad. Nakamura prácticamente tiene una enfermedad mental y todos los personajes de la primera mitad de la obra parecerían estar traumados. Muchas veces al leer la obra parece que siguieras la historia de la escoria adolescente, pero en realidad sigues la historia de un chico que se creía mejor que otros y que, por muy mala suerte (y también por sus deseos asquerosos), se enrolla con alguien que no solo rompe ese pensamiento sino que hace que Kasuga abrace algo que no debería. Kasuga me parece un protagonista muy bueno. Es un “pringado” que se cree superior, diferente y único por obsesionarse con la lectura, especialmente con Baudelaire, que no está ahí como mera mención. Aunque he leído pocos poemas del señor y varios pertenecen a Les Fleurs du Mal, conozco su estilo y Aku no Hana parecería ser una oda a todo de lo que habla ese libro: deseos sucios, culpa, nuestra decadencia, pero sobre todo belleza dentro de lo feo y el deseo por lo prohibido… No es sorpresa que a alguien como Kasuga le guste un libro así, complejo, enmarañado y que habla sobre las intenciones ocultas. Siento que ama tanto Les Fleurs du Mal porque es todo lo que quiere hacer, todo lo que quiere gritar… porque dentro de ese caos yace su libertad. No es ni de chiste una buena persona. Muchas veces peca de antipático, idealiza su dolor y, aunque ame la lectura, la utiliza como escudo de superioridad moral o intelectual. Kasuga no ama a Baudelaire solo por entenderlo… sino porque cree que lo separa del resto. Y cuando esa idea se rompe, él se rompe. ¿Y quién se la rompe? Pues la cara de esta obra: Sawa Nakamura. Nakamura es mi personaje favorito de esta obra, no particularmente porque sea un pancito de Dios, sino porque es totalmente lo contrario. Ve a las personas como si fueran nada: basura, bichos. Tiene nula empatía y respeto. Cuando ve que alguien es diferente al resto, que alguien abrazó lo incorrecto, no queda enamorada ni flechada… se obsesiona. Pero esa obsesión es volátil, pasajera y cambiante; aun así, quiso llevar a Kasuga al extremo. Nakamura ve el mundo de manera muy pesimista y no, obviamente no es solo que sea “edgy”. Ella odia la hipocresía; le da asco que todos en su entorno traten de ser buenos cuando son “escoria” ante sus ojos. Por eso, cuando ve a Kasuga abrazando su lado más asqueroso, halla en él un cómplice, alguien como ella: incomprendido pero real. Ella busca lo real, no importa lo mórbido que sea. Nakamura ya asumió que el mundo es basura y no necesita poesía para verlo. Abrazó el nihilismo como parte de ella. No espera nada de nadie, no le importa nada. Está atrapada en este mugroso pueblo y solo espera ver “el otro lado” con alguien tan “real” como ella. No hay belleza en el sufrimiento, solo desesperación y soledad. Es como si todo en lo que cree fuera una respuesta ácida a Baudelaire. Muchas veces llegué a pensar en lo hija de puta egoísta que es, pero a su vez me da pena porque no creo que ella sea así porque sí: tal vez el divorcio de sus padres, tal vez el ambiente escolar, tal vez solo nació así. Pero también parece consciente de sus problemas y no parece querer cambiar o buscar ayuda, y ahí entra su responsabilidad. Se nota que Aku no Hana estuvo escrita en una época donde no estaba tan normalizado ir a terapia, porque sino, de una u otra manera, la historia hubiera sido diferente… Ella hace que me plante una pregunta interesante… ¿es preferible la crueldad honesta… o la hipocresía amable? Nakamura influye mucho en la manera en la que Kasuga ve el mundo y eso hace que le hagan daño a una tercera: Nanako Saeki. Nanako Saeki es un personaje extraño. Es el interés amoroso inicial del protagonista y parecería ser la chica perfecta y pura que él quiere. Lo que me encanta de Aku no Hana es cómo destruye a los personajes y los vuelve a unir poco a poco pero con claras grietas, y Saeki es el ejemplo claro. Ella es la víctima principal aquí. Al inicio está “limpia”, por así decirlo. El conflicto inicia por el daño que le hicieron a ella. Kasuga defiende a Nakamura en clases por una acusación falsa y justamente eso hizo que Saeki se fijara en él y empezaran a salir. Odié y adoré este giro porque todo lo que le pasa a esta chica es enfermo. Parece un juguete dentro del ajedrez horroroso de esos dos y constantemente me daba miedo que lo descubra… PERO TENÍA QUE. ¿Y qué pasa cuando descubre que el chico pseudointelectual con el que está saliendo no solo robó su ropa, sino que se volvió loco y está haciendo estupideces que violan derechos humanos? Se obsesiona más… Saeki es una niña de casa, obligada a estudiar, tocar piano y que apenas sale. Al ver lo “diferente” que es Kasuga empieza a querer saber más de él. Accede a ser su novia en la primera cita porque no conoce nada del mundo y se ve envuelta en este drama adolescente rogando por atención, rogando porque el chico que cree querer esté a su lado de manera común. Lo iba a perdonar, pero Kasuga tomó otro camino: se “enamoró” de Nakamura. A Saeki le hace tanto daño pero inesperadamente no delata a Kasuga por sus crímenes; solo quiere que vuelva a ser de ella porque fue lo más diferente de su mundana vida. Esta muchacha prefiere vivir con lo malo sin darle su debida importancia que volver a su mundo vacío. Kasuga rompió el mundo de Saeki, Nakamura rompió el mundo de Kasuga, y el mundo mismo rompió a Nakamura. Curiosamente, todo esto me recuerda a obras como Oyasumi Punpun y Welcome to the NHK, porque en algún punto las tres tienen un triángulo “amoroso” mientras el prota está en la mierda… solo que los resultados son distintos. A Aku no Hana lo puedo dividir en dos partes: Antes del festival y después del festival. Todos los sucesos catastróficos pasan antes del festival, y ahí mismo pasa el clímax de la historia: la búsqueda por llegar al otro lado… ¿Qué es el otro lado? Esto es lo que mantiene la obra a flote, lo que hace que los paneles oníricos y los diálogos cobren sentido: el otro lado. Mostrado en momentos como ojos siniestros abriéndose y flores siendo elevadas por el viento, es más que una alegoría al suicidio. Siempre creí que era algo como la búsqueda por un mundo más allá de ese pueblo de mierda, salir de este mundo falso. Pero en general son muchas cosas. Podría ser una fantasía de escapismo desde los ojos de Nakamura, pero desde la perspectiva de Kasuga podría ser el modo de salvarla de la cotidianidad, incluso si eso implica dejar de existir en este plano… cuando en realidad solo se está hundiendo con ella. Es un punto sin retorno… Inesperadamente, antes de arder y por fin acabar con todo, ella lo empuja y técnicamente lo salva. Esto no tiene respuesta clara; más adelante en la obra revela que se le olvidó la razón y, de manera paralela, es lo que más carcome a Kasuga durante los siguientes años… Después del festival… Han pasado tres años desde el incidente. La vida de todos ha cambiado y Aku no Hana pasa de un drama adolescente sobre la belleza en lo podrido a una historia sobre cómo ese pasado te persigue, pero no debes huir de él: tienes que afrontarlo y aceptarlo para por fin vivir. La obra se vuelve más introspectiva y habla sobre la reconstrucción de una vida. En la recta final, Kasuga se vuelve más retraído y ha abandonado su amor por la lectura. El incidente y el recuerdo de Nakamura lo carcomen y no sabe cómo tener una vida normal después de eso. Se reencuentra con personas de su pasado, incluida Saeki, que ahora tiene un novio que se parece a él. Saeki anda resentida con la vida y hace que Kasuga dude si realmente cambió… aunque él quiere dejar todo atrás porque encontró a alguien con quien quiere ser feliz. Aya Tokiwa llega a su vida. Es una chica que comparte su cariño por la lectura y poco a poco se enamoran. Ella revive su gusto por leer. Sinceramente, que ella dejara a su novio tan rápido porque Kasuga le gritó que la amaba me pareció medio tonto… pero también es cierto que él mostró interés real en sus aficiones y sentimientos. No se interesó en ella como un concepto salvador, sino en su libro, en su mundo. Ambos se aportaron algo y quizá por eso se entiende que ella lo quiera… aun así, no me lo trago por completo y la siento muy perfecta, al punto de ayudar a Kasuga a buscar a Nakamura. Kasuga, junto con Aya, se dirige hacia donde se encuentra Nakamura y empieza una de las escenas más bellas del manga. Kasuga: ¿Por qué me salvaste? Nakamura: No me acuerdo. Nakamura parece la misma de siempre, solo que un poco más tranquila, más madura. Todos esos pensamientos deben seguir ahí, solo que ahora los controla mejor. Actúa de manera fría pero amable con Kasuga… y eso creo que lo desespera. Kasuga: ¿Por qué me salvaste? Nakamura: No me acuerdo. Ambos empiezan a darse putazos en la orilla de la playa. Es catártico, es sublime, es algo que se necesitaba hacer para saber que ambos han cambiado, que ambos tienen una vida y que por fin, después de tanto sufrimiento, remordimiento y melancolía, el pasado ya no viene a atacarte… se convierte en un recuerdo que atesorarás por siempre, independientemente de cómo haya sido. Gracias.
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Jan 30, 2026
Loose Senki: Old Boy
(Manga)
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Mixed Feelings Spoiler
(English)///// mas abajo en español
I finally took the trouble to read the Oldboy manga—it had been on my "to-read" list for ages—to compare it with the film and see what it actually brings to the table. While the Oldboy movie feels like a deconstruction of an action flick that ends up being incredibly visceral, the manga is a psychological thriller; a grittier game played with a certain elegance. What ties them together is that, in theory, the entire plot seems manipulated to some extent. Oldboy is one of those traditional seinens; it reminds me a lot of Monster and 20th Century Boys. Even though they were published ... years apart, I think they’re all slightly influenced by Tezuka’s MW. In all three stories, the protagonist is just an "average guy" (a drunk, a doctor, a washed-up rocker) who finds himself outmatched by an evil, brilliant mind. In this case, Oldboy follows a man locked in a room for 10 years (not 15; the remake also uses 10 years, interestingly enough) by a ghost from his past. The best thing about this manga is the art: street-style yet clean lines. Some panels are just too good, and the dialogue is sharp. The plot kept me hooked from start to finish because it’s a mystery thriller—it’s doing its job if it keeps you engaged—but, let’s be real, it’s not going to blow your mind. It’s a manga with a very interesting conflict and a resolution that feels perhaps a bit too rushed. Still, the plot moves because the characters are solid: Goto’s teacher, the antagonist, the love interest, etc. (Plus, the girls are very well drawn, wink wink). Despite being different, the movie takes some key elements from the source material: The framing and certain moments are very parallel, even if executed differently. The way the building is found and the method to get to that floor are the same. The microchip in the shoe is there too. The food he’s served is just as important. Hypnosis is a plot twist in both, but it's much more brutal in the film. Those are the similarities. Other than that, they are worlds apart and each has its own identity: In the manga, the protagonist's assistant is a woman (same as in the US remake, lol). The microchip is vital; they play around with it a lot. In the movie, it’s a bit of a "maybe, maybe not" thing. The protagonist wants to avoid his name, forget his past, and take this "opportunity." The wife is alive (though she doesn't carry much weight). They don't dive deep into his isolation; we don't see it as much, which I think robs it of some impact. Goto (the protagonist) is "too cool." Every woman wants him—he’s a total lady-killer. It has its dose of humor, unlike the movie which is mostly dead serious. The antagonist is less savage. (Major manga spoiler: there is no incest). As I mentioned, they take different paths. The manga is a filet mignon: tasty, but that's about it. The movie is a double-decker burger: fully loaded, expertly made, but something you wouldn't eat twice because of the indigestion it gave you—not because it's bad, but because it’s so heavily seasoned that you feel like throwing up by the end. The final twist in the manga is poetic, sure, but it feels more like a whim—fitting for an "Oldboy," touching in a way... but still a whim. Honestly, it all happens too fast; they should have fleshed it out more. I also wonder why the Japanese never tried to adapt this into an anime or a movie. Apparently, it sold well, but it never went mainstream until the movie came along and became a cornerstone of Korean cinema. Park Chan-wook was interested in the core idea, not faithfulness, and that macabre twist in the original film explains why. Personally, I’ll stick with the movie; I feel it's better executed. But the manga and the film aren't competing: they are two different takes on the same concept, so enjoy both. As a side note, there’s an Indian version called Zinda which is supposedly a mess, lmao. Oldboy actually has three adaptations. "Alcohol clears our thoughts," Goto used to say, while remembering that song he just can't seem to sing... (This review was originally written to complement another review of the Oldboy movie; you can check it out on Letterboxd). https://boxd.it/cTAew9 (Español) Me tomé la molestia de leer el manga de Oldboy, lo tenía pendiente hace mucho tiempo, para hacer una comparación con la cinta y ver qué ofrece, en primeras. Mientras que la película de Oldboy es como una destructuración de una peli de acción y termina siendo súper visceral, el manga es un thriller psicológico sobre un juego más áspero con cierta elegancia. Lo que une a ambos es que, en teoría, toda la trama parece estar manipulada hasta cierto punto. Oldboy es uno de esos seinens tradicionales; se parece mucho a Monster y a 20th Century Boys. Se publicaron con años de diferencia, pero creo que todos están ligeramente influenciados por MW de Tezuka. Porque en las tres historias, el protagonista es un tipo "común" (un borracho, un médico, un rockero fracasado) que se ve superado por una mente brillante y malvada. En este caso, Oldboy va de eso: un hombre que fue encerrado en una habitación por 10 años (no 15; en el remake también son 10 años, curiosamente) por un fantasma del pasado. Lo mejor que tiene este manga es su arte: trazos callejeros pero a su vez limpios, hay paneles que son demasiado buenos y diálogos ingeniosos, y realmente la trama me interesó de principio a fin, porque este es un thriller de misterio; ya hace bien su trabajo si te engancha, pero, claro, no es nada que te vaya a volar la cabeza. Es un manga con un conflicto muy interesante que tiene una resolución quizá demasiado apresurada. Igual la trama se mueve porque tiene personajes interesantes: la maestra de Goto, el antagonista, su interés romántico, etc. (Además, las chicas están muy bien dibujadas, guiño guiño). La película, pese a ser diferente, toma elementos importantes. Tiene planos y momentos muy paralelos, pero se llevan a cabo de manera distinta. La manera en la que se halla el edificio es la misma, y el método por el cual se va a ese piso también es el mismo. El microchip en el zapato de igual manera. La comida que le servían es igual de importante. La hipnosis en ambos es un giro argumental, pero en la película es mucho más brutal. Y esas serían sus similitudes con la película; por lo demás, distan mucho y cada uno tiene su identidad. En el manga, el asistente del protagonista es una mujer (en el remake gringo igual lol). El microchip es súper importante; se juega mucho con eso; en la película, medio que sí, medio que no. El protagonista quiere evitar su nombre, olvidar su pasado y tomar esta oportunidad. La esposa está viva (pero no tiene mucho peso). No profundizan tanto en el aislamiento del protagonista; no lo muestran tanto, eso le quita impacto, creo. Goto (el protagonista) es un ser “demasiado cool”. Todas lo desean, todas, en un Rompevaginas. Tiene su dosis de humor, a diferencia de la película que mayormente es seria. El antagonista es menos salvaje. (Súper spoiler del manga: el tema del incesto no está). Y, como mencioné, van por caminos distintos. El manga es un filete miñón, que está rico y hasta ahí. Y la película es una hamburguesa de dos pisos, súper completa, súper bien hecha, pero que no volverías a repetir por la indigestión que te dio, no porque sea mala, sino porque está demasiado condimentada y al terminarla casi vomitas. El giro final en el manga es poético, sí, pero más parece un capricho, digno de un “Oldboy”, conmovedor en parte… pero sigue siendo un capricho. La verdad, todo pasa muy rápido; deberían haberlo profundizado más. Y también me pregunto por qué los japoneses no intentaron llevar esta historia al anime o a una película; según se vendió bien, pero solo es, no fue masivo ni nada, hasta la llegada de la película que se terminó convirtiendo en una pieza clave del cine coreano. A Park Chan-wook le interesó la idea central, no la fidelidad, y como que ese giro macabro de la cinta original lo explica. Por mi parte, me quedo con la película; siento que está mejor llevada. Pero el manga y la película no compiten: son dos lecturas distintas del mismo concepto, así que disfruten de ambas. Como curiosidad, hay una versión india llamada Zinda, que dicen que es cualquier cosa, xdd. Oldboy cuenta con tres adaptaciones. “El alcohol aclara nuestros pensamientos”, decía Goto, mientras recordaba esa canción la cual no puede entonar… (originalmente esta reseña fue echa para complementar otra reseña sobre la película de Old Boy pueden checarla anda en letterboxd) https://boxd.it/cTAew9
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Jan 15, 2026
Malice@Doll
(Anime)
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//////English ///// (mas abajo en español)
Among the ruins of an already extinct humanity, I encounter her: a weakened doll brimming with nostalgia, capable of feeling, capable of loving, capable of fucking, capable of teaching — a Goddess in every sense… or at least that’s what I believed while she kissed me. I wanted to become like her, but the price is enormous. How much does a single kiss truly cost? How much of our innocence and purpose will we lose? Would we sacrifice our morals and ethics for it?…“I can only comfort you with a kiss. That’s all I’m good for,” she tells me before fading into thin air…Malice@Doll ... is an absolute anomaly in the anime landscape. Something so singular and peculiar that it likely could not be produced today; even describing it feels awkward. It is technically a “film,” but really three OVAs stitched together, created with radically experimental early CGI, steeped in psychological horror and cyber-body-horror, distilled into an intensely sexual psychodrama with strong eroguro undertones.Directed by Keiichiro Kawaguchi, written by Chiaki J. Konaka, and animated in 3D so primitive it feels like late PS1 or early PS2-era game graphics. That very primitiveness is what grants the work its powerful identity — it lives deep in the uncanny valley, and that discomfort greatly amplifies every visceral, morbid moment. The aesthetic itself tells you almost everything about the world and its inhabitants. It is the perfect embodiment of show, don’t tell, and I love it for that.It flirts with eroguro without ever becoming overtly explicit. Imagine blending Ghost in the Shell with Parasite Eve (the PS1 game), adding traces of Evangelion atmosphere and the raw, grotesque energy of the Devilman OVAs. More often than not it feels less like a conventional movie and more like the cutscenes of a forgotten cult PlayStation 1 game — one of those countless strange, atmospheric titles… except there was never any gameplay. Malice@Doll is genuinely unique because it has no prequels, no sequels, no spin-offs, no expanded universe. It is born and dies in three acts.It is a hidden masterpiece that deserves far more affection. Beyond its explorations of identity, purpose, trauma, and sexuality, it engages with a fascinating and deliberately ambiguous philosophical concept.When I looked up the opposite of transhumanism, I found this:“Inverse posthumanism” (a philosophical idea that examines how the non-human acquires human traits not as enhancement or progress, but as a burden — an anomaly that disrupts, corrupts, and perverts its original nature). ─────────────────────────────── CHAPTER 1 Intense Freshness Malice@Doll follows Malice, one of the Dolls. The Dolls are androids engineered solely to satisfy sexual desires; Malice and her companions are robotic prostitutes who lost their reason for existence years ago when humanity mysteriously vanished.Malice dreams. She wakes. Robots aren’t supposed to dream… she was only remembering something. What was it? It doesn’t matter now — she must repair herself; she’s malfunctioning. On her way we glimpse the place she inhabits: a filthy back-alley slum where she and the others once serviced humanity’s most disgusting, fetishistic impulses.Straying from her designated path, she encounters the “ghost” of a little girl in an unknown place. The apparition unexpectedly leads her to a mechanical egg-like structure. Inside resides a phallic creature that penetrates her and utterly transforms her reality…Malice dreams again. She wakes. Everything feels different. She laughs, panics, hurts herself — and though she keeps insisting otherwise, she is no longer a doll. Against her will, she has been remade into something resembling a human being.The first chapter — frequently slow and deeply strange — places us perfectly inside the world without ever explaining it in words, only through the beings who inhabit it. Everything is decayed, gray. All that remains of humanity are purposeless machines and a false nostalgia for a past that only ever caused our protagonist pain. ─────────────────────────────── CHAPTER 2 Oral Infection There are consequences to stripping a machine of its sole purpose — giving love — and granting feelings to something never meant to have them. It is deeply contradictory: you might give their existence greater meaning, yet they have no concept of “meaning” — only “mission,” a preprogrammed one.Malice is rejected by her former “friends,” the other Dolls who have formed a fragile micro-society under “Joe Administrator,” the apparent overseer of their remnant world. He addresses Malice not as an anomaly, but as something akin to their creators: a human, a Goddess.Now Malice remembers her life as a Doll, and the sexual function she was built for fills her with disgust, shame, and pain — a torrent of emotions she never knew before. Heather, a Doll close to her, comes to comfort her. Strangely, Heather — despite being a Doll — appears to possess genuine humanity, empathy, emotion… though it could simply be the personality she was programmed to project.A moment of intimacy is born between them: Malice kisses Heather. For the first time Malice feels love… and simultaneously, Heather’s body transforms into amorphous, living flesh. Heather is now, technically, alive.Malice doesn’t despair. She sees the positive side: now she can make all of them feel as she does. She can grant them life using the only tool she ever had to please clients — her kisses.Malice finds a new purpose: to play God.She and Heather begin kissing the other Dolls against their will, granting them life, spreading the “virus of life” that was forced upon Malice, corrupting their bodies, opening their minds. The newly awakened now see Malice as their savior and replicate her mission. They kiss more automatons — even those who don’t need it — and those in turn kiss things that don’t need it either. Everything gains life… and life itself loses all meaning.Joe Administrator refuses to view this as progress. He sees it as desecration, as something preventable. He confronts Malice with the consequences of her self-appointed role as false messiah. Between remorse and death, the moment arrives to correct the mistake.Chapter 2 portrays Malice as naive and selfish, yet ultimately well-intentioned. Body horror is omnipresent: we witness the Dolls grotesquely deform, and though they accept it with eerie happiness, their new impulses force them to experience pleasure in grotesque, fetishistic, and — for the first time — truly real ways.I kept thinking:Is this a metaphor for sexually transmitted disease? A caution against romanticizing freedom? Or simply an allegory for sexual awakening? Why not all three at once?Most of all: how do you take away from someone the only thing they had, just to give them human freedom? A freedom that hurts, that is chaotic, when it lacks purpose. The Dolls lived a “perfect” existence within their narrow function. By granting them “freedom” (humanity), Malice transforms them into masses of flesh that don’t know what to do with their new desires — resulting in grotesque, destructive hedonism.We are granted the chance to experience life gradually, step by step, from birth. Malice was granted a second birth… with almost no time to adjust.Unintentionally, she begins stripping the “purity” from the Dolls, like the forbidden fruit of Eden. Through kisses they become corrupted, exactly like a real disease. The mode of transmission is the most intimate act. The kiss — which should symbolize the highest form of human connection — here becomes a kind of curse. It is a somewhat nihilistic observation: the very things that make us human (sex, affection, physical contact) are also what destroy and deform us.It hurts a great deal to think about myself… “I think, therefore I am,” they say. I am… and I begin to suffer. Apparently humans suffer… and we endure it. ─────────────────────────────── CHAPTER 3 Perverted Organism The ghost girl reappears, guiding Malice and Joe toward the paradise of origins. It turns out only Malice can see her. Joe — so incorruptible, so righteous — asks Malice to kiss him (“I want to see what you can see”), but she refuses. So Joe turns to Doris, the leader of the Dolls, asking to be made sentient. He wishes to help Malice, who has returned to the place where everything began. When he opens the egg-shaped machine shell, he finds… herself.(From this point everything becomes extremely psychedelic.) Perhaps her own deepest desires, perhaps what remains of her original self, perhaps an illusion attempting to manipulate her. She refuses to continue down her selfish path, becomes aware, takes responsibility for her actions, and recognizes the wrong she has done. The remnants of the creature that cursed her emerge from her body and fuse with what remains of the shell, trapping Malice inside…That would be a just ending: she pays for her selfishness… But then, like a miracle, like a genuine act of love, Joe — now made “human” — kisses the shell. Unexpectedly, the kiss that usually condemns saves her this time, transforming Malice into something beyond comprehension: an angel. It seems she now possesses such power that she can reset the world, causing almost everyone to forget her. She sings one final time, restores everything to how it was, kisses Joe, and finally departs. To where? Probably to wherever her desires may be fulfilled or broken — hopefully with some genuine purpose… releasing herself from nostalgia and finding freedom without forcing it upon everyone else.Chapter 3 is cruel, sad, and visceral in equal measure. It shows the Dolls finally acting on their most intimate desires, thanking Malice for essentially allowing them to practice sadomasochism… and the once-decayed world becomes a lawless, deeply nightmarish place.Perhaps the densest and most difficult-to-grasp part of the work lies in its extremely symbolic, abstract ending — one that demands multiple viewings and interpretations to even begin making sense of.From my perspective, the ghost girl is the key: she likely represents the purest expression of Malice’s desire — to become like those gods, to feel what they felt. That is probably why she resides inside the egg: the desire to exist without truly knowing, the desire to become like those who created her with a disgusting purpose, the nostalgia for a humanity that no longer exists and was never kind to her. That unrequited love is what drives her to destroy her own kind, convinced that her desire is the only thing that matters.The creation attempts to become the creator, inheriting their sins and their diseases along the way.Malice is a magnificent character. A fully realized protagonist: not a heroine, but more like a martyr of subjectivity in a world that only needed silence. Even her name means malice, and the @ in the title perhaps suggests she functions like a virus… and sometimes viruses force a complete reconfiguring of the entire system.That is why I say the ending is just: she dies — and though I love her, she deserves it…Until they give her the kiss, of course. Despite not being evil, she was selfish. That rebirth, that second chance, is perhaps the most human thing that could happen to her. We have all ruined something and then kept going. In my interpretation she did not become a goddess. It feels more like she asked for forgiveness — even though not everything can return to how it was — and then continued living and left. To where? I don’t know. Sometimes there is no answer, and maybe that is the beautiful part of living, isn’t it? Perhaps Malice was simply an anomaly that the system ultimately erased completely. Reseña en español Entre los escombros de la ya extinta humanidad, me encuentro con ella, una muñeca debilitada llena de nostalgia, capaz de sentir, capaz de amar, capaz de fornicar, capaz de inculcar, una Diosa en toda regla, o al menos eso creía mientras me besaba. Yo quería ser como ella, pero el precio es enorme. ¿Qué tanto cuesta un beso? ¿Cuánto de nuestra inocencia y propósito perderemos? ¿Sacrificaríamos nuestra moral y ética por esto?... "Solo puedo consolarte con un beso, para eso sirvo", me afirma antes de desvanecerse en el aire… Malice@Doll es una anomalía dentro del mundillo del anime. Es una cosa tan única, tan especial, y es algo que no se podría hacer a día de hoy; incluso describirla es raro. Es una película (que en realidad son 3 OVAs de animación pegadas) en un CGI superexperimental, con tintes de horror psicológico y cyber-body-horror condensado en un psicodrama sexual con tintes de eroguro. Dirigida por Keiichiro Kawaguchi, escrita por Chiaki Konaka y animada en un 3D tan primitivo que parece de un juego de los últimos años de la PS1 tirando a PS2. Eso es lo que dota a la película de identidad, hace que entre en ese “uncanny valley” que beneficia los momentos viscerales y morbosos de la cinta. Su estética te habla mucho de su mundo y de sus personajes; es el perfecto ejemplo de mostrar, no contar, y me encanta. Tiene un poco de eroguro sin necesariamente ser explícito. Es como combinar Ghost in the Shell con Parasite Eve (para PS1) y ponerle un poquito de Evangelion y el estilo de las OVAs de Devilman. De hecho, muchas veces más que una película parecen cinemáticas de videojuego al que le falta gameplay. De hecho, funcionaría más como videojuego de culto del Play 1, como los taaaantos que hay… y no hay nada. Malice es un producto único porque no hay precuelas, ni secuelas, ni spin-offs, ni nada más del mundo que plantearon acá. Malice@Doll nace y muere en 3 actos… Es una obra oculta que merece más cariño, que además de hablarnos sobre la identidad, el propósito, el trauma y la sexualidad, nos habla sobre un tema interesante con una definición ambigua. Cuando busqué qué es lo opuesto a transhumanismo, me salió esto: “El posthumanismo inverso” (un concepto filosófico que explora cómo lo no humano adquiere rasgos humanos no como una mejora, sino como un peso, una anomalía que trastoca su naturaleza.) ________________________________________ Chapter 1 Frescura intensa Malice@Doll va de Malice, una Doll. Las dolls son androides hechas para satisfacer necesidades sexuales; Malice y sus amigas son robots prostitutas que perdieron el propósito hace años porque la humanidad inesperadamente se desvaneció. Malice sueña, se despierta, los robots no sueñan... solo recordaba algo. ¿Qué estaba recordando? No importa ahora, porque tiene que repararse; está averiada. En su camino vemos el lugar donde vive; parece un callejón de los barrios bajos donde ella y sus amigas atendían a personas para cumplir sus más asquerosos y fetichistas deseos. Al desviarse del camino el cual le indicaron seguir, se encuentra con el “fantasma“ de una niña en un lugar que no conoce, el cual inesperadamente la conduce hacia una especie de huevo mecánico, cuyo interior es habitado por una criatura con forma fálica que la “atraviesa” y cambia su panorama… Malice sueña, se despierta, siente todo diferente, ríe, se asusta, se lastima, y aunque ella lo asegure, ya no es una muñeca: la convirtieron en algo parecido a un ser humano en contra de su voluntad. El primer capítulo de esta historia, aunque muchas veces lento y extraño, nos pone bien en contexto de lo que está pasando sin decir una palabra sobre su mundo, solo sobre los que lo habitan. Todo es decadente, gris; lo único que quedó de la humanidad son máquinas sin propósito y una nostalgia falsa por un pasado que hizo sufrir a nuestra protagonista. ________________________________________ Chapter 2 Infección oral Hay consecuencias en quitarle el propósito a una máquina que solo estaba destinada a dar amor, en darle sentimientos a algo que no debería. Es contradictorio: podrías darles un significado más profundo a su vida, pero ellos no conocen el concepto de “significado”, solo de misión, una misión predeterminada… Malice es rechazada por sus “amigas”, otras dolls que tienen una microsociedad junto con “Joe Administrator”, el cual sería como el que controla todo. Este mismo llama a Malice, no una anomalía, sino alguien como quienes los crearon: una humana, una Diosa. Malice tiene recuerdos de su vida como Doll, y ahora ese propósito sexual con el que fue concebida le causa repudio, vergüenza y dolor: un montón de emociones que jamás había experimentado. Es encontrada por Heather, una doll que es cercana a ella, que va a consolarla. Extrañamente, Heather, pese a ser una Doll, parece que estuviera dotada de humanidad, de empatía, de emoción… pero fácilmente podría ser que la actitud con la que está programada es esa. Entre ellas dos nace un momento de intimidad: Malice la besa, Malice siente amor por primera vez, pero a su vez el cuerpo de Heather es transformado en carne amorfa y ahora Heather técnicamente está viva. Malice no lo toma mal, ve el lado bueno: ahora puede hacer que todas se sientan como ella, puede darles vida con lo único que sabía hacer para hacer sentir bien al cliente, dar besos. Malice adquiere un nuevo propósito: jugar a ser Dios. Ella y Heather empiezan a besar a sus compañeras contra su voluntad, dándoles vida, contagiando el virus de la vida que se le asignó a Malice, corrompiendo sus cuerpos, abriendo sus mentes, y estas a su vez viendo a Malice como la salvadora y replicando su misión. Le dan vida a más autómatas, besándolos, aunque no la requieran, y estos a su vez a cosas que no la requieren; todo obtiene vida y eso le quita significado... Joe Administrator se niega a ver esto como progreso. Lo ve como algo profano y que podía evitarse. Le muestra a Malice lo que ha conseguido al tomar el cargo de falso mesías, y entre arrepentimiento y muerte es momento de corregir su error. El capítulo 2 nos pone a Malice como alguien ingenua y egoísta, pero al fin y al cabo con buenas intenciones. El body horror está a la orden del día porque vemos cómo las dolls se van deformando de forma grotesca, y aunque lo aceptan de manera feliz, sus impulsos hacen que experimenten el placer de forma grotesca, fetichista y por primera vez de manera real. Muchas veces pensé: ¿Todo esto es una referencia a un virus de transmisión sexual? ¿Es un discurso para evitar romantizar la libertad? ¿O es meramente una analogía al despertar sexual? ¿Por qué no los tres? En primera, ¿cómo le quitas a alguien lo único que tiene para ofrecerle libertad humana? Una libertad que duele y es caótica si no tiene un propósito. Las Dolls tenían una vida "perfecta" dentro de su función; al darles "libertad" (humanidad), Malice las convierte en masas de carne que no saben qué hacer con sus nuevos deseos, derivando en un hedonismo grotesco y destructivo. Al nacer se nos da la oportunidad de experimentar, pero con tiempo y paso a paso; a Malice se le dio la oportunidad de “nacer” otra vez y muy poco tiempo para asimilarlo. Sin querer empieza a quitar la “pureza” de las dolls, cual fruto prohibido del Edén; parece que a través de los besos las dolls se corrompen, igual que una enfermedad real. La manera en la que se contagian es el acto íntimo. El beso, que debería ser el símbolo máximo de conexión humana, aquí más parece una condena. Es un comentario un poco nihilista: lo que nos hace "humanos" (el sexo, el afecto, el contacto) es también lo que nos destruye y nos deforma. Me duele mucho pensar en mí… Pienso, luego existo; dicen, existo y empiezo a sufrir. Al parecer, los humanos sufrimos y lo soportamos… ________________________________________ Chapter 3 Organismo pervertido El fantasma de la niña nuevamente aparece, guía a Malice y a Joe hacia el paraíso del principio. Resulta que solo Malice lo puede ver; Joe, tan incorruptible y correcto, le pide a Malice que lo bese ("quiero ver lo que tú puedes ver", le dice), pero esta no lo hace. Así que Joe recurre a Doris, la mandamás de las Dolls, para que lo convierta en un ser sintiente. Él quiere ayudar a Malice, que se encuentra donde inició todo. Al abrir el cascarón de la máquina con forma de huevo, se encuentra a ella misma. (Desde aquí todo se pone super fumado). Tal vez sus deseos internos, tal vez lo que queda de ella, tal vez una ilusión que intentaba manipularla. Ella se niega a seguir con su camino egoísta, toma conciencia y responsabilidad de sus acciones, y ve que lo que hizo está mal. Los restos de la criatura que le dio esa maldición emergen de su cuerpo y se fusionan con lo que queda del cascarón, dejando a Malice en él… Ese sería un final justo: ella paga por su egoísmo… pero ¿cuál milagro? Como un acto de amor verdadero, Joe, ahora convertido en “humano”, le da un beso al cascarón, pero inesperadamente el beso que condena en esta ocasión “salva” de alguna u otra manera, haciendo que Malice se vuelva algo más allá del entendimiento: un ángel. Parecería que tiene tanto poder que pudo reiniciar el mundo y hace que casi todos la olviden; canta por última vez, dejándolo todo como estaba, besa a Joe y finalmente se va. ¿Hacia dónde? Probablemente a donde cumpla sus deseos o estos se rompan, ojalá con un propósito… despegándose de la nostalgia y consiguiendo su libertad sin la necesidad de forzarla para todos… El capítulo 3 es cruel, triste y visceral por igual. Nos muestra a las Dolls cumpliendo sus más íntimos deseos ahora que pueden, agradeciéndole a Malice por básicamente poder practicar el sadomasoquismo… y ese mundo decadente se vuelve un mundo sin reglas muy pesadillesco… Tal vez la parte más densa y difícil de entender de este film se encuentra en su final tan simbólico y abstracto que requiere muchas relecturas e interpretaciones para hallarle sentido. Desde mi punto de vista, aquí lo importante es la niña fantasma: tal vez como la representación del deseo puro de Malice, el ser como esos dioses, sentir lo que sienten ellos. Tal vez es por eso que ella está dentro del huevo; el deseo de ser sin conocer, el deseo de ser como aquellos que la hicieron con un propósito asqueroso, la nostalgia por una humanidad que ya no existe y que nunca fue buena con ella. Ese amor no correspondido es lo que la lleva a destruir a su propia especie, creyendo que su deseo es lo único que importa. La creación intenta ser como el creador, heredando sus pecados y sus enfermedades en el proceso. Malice como personaje es genial. Una protagonista hecha y derecha: no es una heroína, es más como una mártir de la subjetividad en un mundo que solo necesitaba silencio. Incluso su nombre significa malicia y la @ en el título de la cinta podría deberse a que es como un virus… y a veces los virus nos obligan a cambiar el panorama completo. Por eso dije que su final es justo: ella muere y, aunque la quiera, es lo que merece… hasta que le dan el beso, claro está. Pese a no ser mala, si fue egoísta, y ese renacer, esa segunda oportunidad que le dan es lo más humano que le podría suceder. Arruinar algo y continuar es algo que todos hemos hecho. A mi interpretación, no se convirtió en una diosa; es más como que pidió perdón, pese a que no todo vuelva a ser lo mismo, y continuo con su vida y se fue. ¿Hacia dónde? No lo sé, a veces no hay respuesta, y eso es lo lindo de vivir, ¿no? Tal vez Malice solo fue una anomalía que el sistema borró por completo…
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Nov 4, 2025
Chainsaw Man Movie: Reze-hen
(Anime)
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If someone googles what it’s like to be in love, the first result should be “Chainsaw Man: The Reze Arc.” Chainsaw Man is a hugely important work for me. I don’t just consider the manga one of my favorite things: I LOVE everything related to Tatsuki Fujimoto and his works. Chainsaw Man, being his most well-known work, is one of those things that appeared out of nowhere and naturally carved a place in pop culture—even before its good (but polarizing and divisive) anime adaptation arrived. Its mixed reception made the MAPPA studio (the ones animating Chainsaw Man) rethink some things. They changed the artistic ... style and the director… Opting for a style more in line with Fujimoto’s art and the very E S S E N C E of his work. And what a choice, because this movie… NONONO, this audiovisual masterpiece is what Chainsaw Man is and always should have been, far surpassing the manga arc it adapts. THIS FILM MADE ME FEEL EVERYTHING AT MAXIMUM SPEED. It’s indescribably satisfying that one of the best arcs of the manga was adapted in such a visually striking, artistic, and explosively experimental way. “The Reze Arc” is the moment where Chainsaw Man becomes that transcendental work everyone was talking about. Why is the Reze arc so important? Nanana, let me ask a better question: Why does this arc specifically feel like it was made to be adapted into a movie? From the very first minute, it talks to you about the power of movies. “A great movie can change your life,” says Makima. And of course, it feels meta now that this line is part of a movie and not just a panel in the manga. Maybe this is the movie that changes someone’s life? I hope so… The film presents Denji in a classic teenage dilemma: he likes two girls—Makima, his boss and recurring love interest, and Reze, the beautiful girl he just met and immediately connects with. The movie is divided into two parts: before and after the “explosion.” The “before” is a teen romance film full of hormones and existential doubts about what one feels and whether one is satisfied with it. Packed with beautiful scenes loaded with pure symbolism about desire and the innocent love that exists among young people. All these feelings explode in fireworks and blood, whose intensity propels us into the second act. After the explosion, the movie becomes a visual feast: fun, INCREDIBLE, BEAUTIFUL, DYNAMIC, and CHAOTIC… Full of SUBLIME action scenes. I’ve never seen a film with visuals this “trippy,” so to speak. Not to diss the first season of the Chainsaw Man anime, but the action scenes there felt slow and too artificial when CGI was used (and the CGI wasn’t very good). Here? You don’t feel that. And maybe it’s my impression, but I didn’t see any CGI at all… All the animation is pure, hardcore 2D, changing styles whenever it can. This movie speaks to you through its art and music: from crystal-clear water paired with a beautiful piano that conveys the purity of feelings, to the explosion sequences with Maximum the Hormone that left me jaw-dropped almost the whole movie because it was my dream for it to be adapted like this… Besides being a visual feast from the start, the movie has that street-level, human essence that characterizes Chainsaw Man and was so missing. Some movies just look pretty, and that’s their only strong point: they’re mostly superficial and feel more like visually “wow” experiences than actual films. Reze Arc isn’t like that. It looks amazing—sure, it’s an experience, and a very good one—but it has a story so well executed that it’s better than any cheap TV soap opera or average romance movie. A character like Reze, with so many layers and memorable scenes, isn’t something you see every day. And everything is naturally tied together by a common thread, like the fable of the country mouse and the city mouse, whose premise is the central axis of the film. The visuals just reinforce what the characters feel inside; it’s an aesthetic device that helps make the movie SO GOOD… It’s LOTS of style with LOTS of substance, yesss. The Reze arc is short, and that helps it be a great adaptation (and expansion) of Fujimoto’s manga, surpassing it in several aspects. To revisit what I said earlier: the Reze arc is super important for Chainsaw Man because it shows that things don’t always end well in this world, but that doesn’t necessarily mark the end of everything… There are always ups and downs, but what Fujimoto always tells us is to live, pursue our goals, and keep going. And I feel that Reze Arc, as a movie, is perfect and clear even for someone without context of the work. It works independently because it’s told in a way that conveys that mix of sadness and chaos with sensuality that characterizes Fujimoto’s works. Although it’s a tragic movie, its main mission is to make you reflect on love, its overload, and how it can be used as a tool of manipulation… And sometimes that happens without you even realizing you’re hurting someone… But the ending fills you with hope: it tells you love can come from anywhere (and it doesn’t always have to be perfect). In short… Everyone read/watch Chainsaw Man and everything Fujimoto releases. I LOVE YOU REZE. I HATE YOU MAKIMA. SUCK IT, KIMETSU. (Español) Si alguien busca en Google cómo es estar enamorado, el primer resultado debería ser “Chainsaw Man: El arco de Reze.” Chainsaw Man es una obra muy importante para mí. No solo considero al manga como una de mis cosas favoritas: AMO todo lo que tenga que ver con Tatsuki Fujimoto y sus obras. Chainsaw Man, siendo su obra más conocida, es una de esas cosas que aparecieron de la nada y se hicieron un lugar en la cultura pop naturalmente, incluso antes de que llegara su buena (pero polarizante y divisiva) adaptación al anime. Cuya recepción mixta hizo que dentro del estudio MAPPA (los que andan animando Chainsaw Man) se replantearan las cosas. Así, cambiando el estilo artístico y al director… Optando por un estilo más parecido al arte y la “E S E N C I A” de Fujimoto. Y qué gran acierto, porque esta película… NONONO, esta obra maestra del medio audiovisual es lo que Chainsaw Man es y siempre debió ser, superando por MUCHO al arco del manga que está adaptando. ESTA CINTA ME HIZO SENTIR TODO A MIL POR HORA. Es inexplicable lo feliz que me pone que hayan adaptado uno de los mejores arcos del manga de una manera tan vistosa, artística y experimentalmente explosiva. “The Reze Arc” es el momento donde Chainsaw Man se convierte en esa obra trascendental de la cual todos hablaban. ¿Por qué el arco de Reze es tan importante? Nanana, planteo una mejor pregunta: ¿Por qué específicamente este arco se siente como si estuviera hecho para ser adaptado en una película? Desde el minuto uno te hablan del poder de las películas. "Una gran película puede cambiar tu vida", dice Makima. Y claro, se siente metarreferencial ahora que ese diálogo es parte de una película y no solo de un panel del manga. ¿Tal vez esta sea la película que cambie la vida de alguien? Ojalá… La cinta nos presenta a Denji en un dilema adolescente: le gustan dos chicas, Makima su jefa e interés amoroso recurrente y Reze, la hermosa chica que acaba de conocer y con la que conecta al toque. La película se divide en dos: antes y después de la “explosión.” El “antes” es una cinta de amor adolescente cargada de muchas hormonas y dudas existenciales acerca de lo que uno siente y si está conforme con eso. Llena de escenas preciosas, cargadas de un simbolismo puro que nos habla sobre el deseo y ese amor tan ingenuo que existe entre las personas jóvenes. Todos esos sentimientos explotan en fuegos artificiales y sangre, cuya intensidad hace que pasemos al segundo acto. Después de la explosión, la película se vuelve un agasajo visual, divertido, INCREÍBLE, HERMOSO, DINÁMICO Y CAÓTICO... Lleno de escenas de acción SUBLIMES. No había visto una película con visuales tan “droga”, por así decirlo. No es por tirarle a la primera temporada del anime de Chainsaw Man, pero las escenas de acción se sentían lentas y muy plásticas cuando se usaba CGI (y uno que no era muy bueno). ¿Qué pasa acá? No se siente. Y tal vez es mi impresión, pero no vi CGI en ningún momento... Toda la animación es 2D puro y duro, que cambia de estilo cada que puede. Esta película te habla con su arte y musica: desde el agua cristalina con ese bello piano que me deja en claro la pureza de los sentimientos, hasta las secuencias de explosiones con maximun the hormone que me dejaban boquiabierto casi toda la cinta porque era mi sueño que fuera adaptada asi... Aparte de ser un agasajo visual desde que empieza, la película cuenta con esa esencia callejera/humana que caracteriza a Chainsaw Man y que tanto hacía falta. Hay películas que se ven bonitas y ese es su único punto fuerte: son superficiales en su mayoría y parecen más experiencias visualmente “wow” que películas como tal. Pues a Reze Arc no le pasa. Se ve genial, ¿es una experiencia? Claro, y una muy buena, pero tiene una historia tan bien llevada que es mejor que cualquier telenovela barata de TV o película de romance promedio. De por sí, un personaje como Reze, con tantas capas de profundidad y escenas memorables, no es algo que se vea todo el tiempo. Y todo está unido naturalmente por un hilo conductor, como lo es la fábula del ratón del campo y el de la ciudad, cuya premisa es el eje central de la cinta. Y los visuales solo reafirman lo que sienten los personajes en su interior; es un recurso estético que ayuda a que la película sea taaan buena... Es MUCHO estilo con MUCHA sustancia, sisisis. De por sí, el arco de Reze es corto, y eso ayuda a que sea una gran adaptación (y ampliación) del manga de Fujimoto, superándolo en varios aspectos. Retomando lo anterior: el arco de Reze es súper importante para Chainsaw Man porque demuestra que en esta obra las cosas no siempre acaban bien, pero no necesariamente eso marca el fin de todo... Siempre hay altibajos, pero lo que Fujimoto siempre nos dice es que vivamos, que cumplamos nuestras metas y sigamos. Y siento que Reze Arc, como película, es perfecta y clara incluso para alguien que no tenga contexto de la obra. Funciona como algo independiente porque está contada de tal manera que te transmite esa sensación de tristeza y caos mezclada con sensualidad, que tanto caracteriza a los trabajos de Fujimoto. Aunque es una película trágica, su misión principal es hacerte reflexionar sobre el amor, la sobrecarga de este y cómo puede ser usado como instrumento de manipulación... Y aveces esto pasa sin que uno sea consciente de que esta dañando al otro... Pero el final te llena de esperanza: te dice que el amor puede venir de cualquier lado (y que no siempre debe ser perfecto). En fin... Todos lean/vean Chainsaw Man y toda obra que Fujimoto saque. TE AMO REZE. TE ODIO MAKIMA. CHÚPALA, KIMETSU.
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Jul 31, 2025
Senya Ichiya Monogatari
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(English)///(mas abajo en español)
Wrapped in veils of desire, submerged in an hourglass, carrying nothing. Yearning until reaching the climax of passion, planning to live life on the edge: doing it all, doing it to each other. And yes, this movie screams at you: sex, boobs, the 70s, psychedelia, drugs, and magic. One Thousand and One Nights is the first film in the Animerama trilogy, brought to life by Osamu Tezuka and Eiichi Yamamoto. The trilogy consists of three films: ... – A Thousand and One Nights (Senya Ichiya Monogatari) – Cleopatra – Belladonna of Sadness The goal behind all three was to break away from the idea that animation was only for kids—to explore sexuality, freedom, and the forbidden—and to prove that this medium could be just as provocative, poetic, and experimental as live-action cinema. And A Thousand and One Nights kicks this off in a super hippie way. Let’s not forget: this film came out in 1969, right when counterculture was in full swing and the spirit of freedom, psychedelia, and creative rebellion was in the air. THE ERA WHEN DRIVING A VAN AND GETTING HIGH WAS COOL. The movie borrows names and some loose concepts from the original book but mixes them all up to create its own bizarre, erotic thing. Put simply, it’s the story of Aldin, a water seller who falls in love with a slave girl being auctioned off. Since he has no money, he decides to steal her—and that decision triggers a string of magical, surreal (and very sexual) events. On a broader level: this movie is super weird. Back then, eroticism was a way of rebelling against the traditional, and the film embraces that fully, making the sexual act the engine that drives everything. No surprise that the most memorable, experimental, and beautifully animated scenes are the sexual ones. If I had to describe this movie in two words, they’d be: Sexually inconsistent. And maybe that’s where its beauty lies... The animation is incredibly experimental. Sometimes it looks strange, beautiful, surreal—like something out of an LSD-fueled wet dream. There are gorgeous sequences blending live-action with animation; others deform and abstract everything just to make you, as the viewer, feel “off,” in a good way. And yes, sometimes the animation seems to fall apart, clearly due to a lack of budget. It’s a bit annoying—hence the “inconsistent” part—but there are more highs than lows. Beautiful to watch if you have an open mind and can appreciate eroticism as art—not just cheap titillation. Sure, it touches on heavy themes, but only in a superficial way, just enough to keep the “plot” moving without too many consequences. It’s a provocative movie and a true pioneer in adult animation. You could compare it to Fritz the Cat (which I did in a mini-review [here]) because of the context, era, and how revolutionary both were for the medium. By now, this film should be considered a classic. (Maybe in Japan they do give it the respect it deserves—idk.) Anyway, I personally liked it for how weird and unapologetically horny it is. It feels long (and it is long—2 hours and 8 minutes), but it didn’t drag for me. I felt like part of Aldin’s journey—a lucky, shameless, horny protagonist I honestly really liked. A visual orgy full of hypnotic colors, charming characters, and desert-flavored rock & roll music that gives the whole experience a unique kind of beauty... I liked it a lot lol. It’s the kind of movie they’d play in a club full of hummus and no-rules orgies. As the start of the Animerama trilogy, it’s truly one of a kind and really draws you into the vision cooked up by those two horny geniuses, Tezuka and Yamamoto. Can’t wait to watch Cleopatra next lol. ((((Español))) Envueltos en velos de deseo, sumergidos en un reloj de arena, portando nada. Deseando hasta alcanzar la cópula de la pasión, planeando vivir la vida al límite: haciéndolo todo, haciéndoselo todo. Y sí, esta película te grita: sexo, tetas, años 70, psicodelia, drogas y magia. Las mil y una noches es la primera película de la trilogía Animerama, de la mano de Osamu Tezuka y Eiichi Yamamoto. Está compuesta por tres películas: – Senya Ichiya Monogatari (Las mil y una noches) – Cleopatra – Belladonna of Sadness Las tres tenían el objetivo de romper con la idea de que la animación era solo para niños; explorar la sexualidad, la libertad y lo prohibido; y demostrar que este medio podía ser tan provocador, poético y experimental como el cine puro y duro que ya se hacía. Y Las mil y una noches inicia todo esto de una manera muy hippie. No olvidemos que esta película es de 1969, cuando la contracultura estaba en pleno auge y el espíritu de libertad, psicodelia y desobediencia creativa lo impregnaba todo. ¡ERAN LOS AÑOS DONDE ANDAR EN UNA CAMIONETA Y JUGAR AL FUMAROLA ERA COOL! La película toma nombres del libro original y algunos conceptos sueltos, y los revuelve para crear su propia cosa toda bizarra y erótica. En términos simples, es la historia de Aldin, un aguatero que se enamora de una esclava que estaban subastando. Como no tiene dinero, decide robársela, y esa decisión desencadena una serie de eventos mágicos y surreales (con resultados sexuales). Y ahora, yendo a términos generales: es una película súper rara. En esa época el erotismo era una forma de mostrar rebeldía contra lo tradicional, y la película aprovecha muy bien eso, haciendo que el “acto sexual” sea todo lo que mueve a esta historia. No por nada las escenas más memorables, experimentales y mejor animadas tienen que ver con sexo. De hecho, si pudiera describir esta película con dos palabras, serían: "Sexualmente inconsistente" Y ahí radica su belleza, creo… La animación es muy experimental. Hay veces donde todo se ve extraño, bello, surreal y parece sacado de un sueño húmedo post-viaje de LSD. Hay escenas guapísimas donde se combina acción real con animación; también hay momentos donde todo se deforma y se abstrae para que uno, como espectador, se sienta “extraño”, por así decirlo. Y otras veces la animación parece romperse porque claramente les faltaba plata. Un poco molesto, sí, por eso digo que es inconsistente, pero hay más momentos buenos que malos. Bellísima de ver si tenés la mente abierta y apreciás el erotismo como arte, y no como simple morbo. Claro, toca temas densos, pero de manera superficial, y solo lo hace para que la “”“trama”“” avance sin muchas repercusiones. Es una película bastante provocadora y una de las pioneras en este campo de la animación para adultos. Podría compararla con Fritz the Cat (a la cual le hice una mini-reseña aquí) por el contexto, la época y la revolución que ambas fueron para el medio. A este punto, esta peli debería ser considerada un clásico. (Creo que en Japón sí le dan el lugar que merece, idk.) Pero en fin, personalmente me gustó por lo extraña y subida de tono que es. Se siente larga (de hecho es larga, dura 2 horas y 8 minutos), pero no se me hizo pesada. Me sentí parte del viaje de Aldin, que por cierto es un protagonista suertudo, sinvergüenza y horny que me cayó muy bien. Una orgía visual llena de colores envolventes, personajes simpáticos y con música de rock and roll con toques de desierto que dotan a esta experiencia de una belleza singular… Me gustó mucho xd, es ese tipo de películas que pondrían de fondo en clubes donde hay humuus, y sexo desenfrenado sin reglas... Como inicio de la trilogía Animerama, es muy único y realmente te sumerge en lo que nos plantearon esos dos cachondos de Tezuka y Yamamoto. Ya quiero ver Cleopatra xd.
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Jul 22, 2025 Recommended Spoiler
//English// (mas abajo en español)
And how do I even start a review of this? Cartena goes Run Run. Anthy is extra fine fine. And life is for f*cking and being free. —Me, the sex master. The Adolescence of Utena is a... what? An alternative version? A parallel one? Ehhh, a reboot? of the anime Revolutionary Girl Utena (which I already reviewed here in "Little anime review". I recommend reading it, I went all in and poured a lot of love into it, lol). ... In part, it retells the events of the anime, but in a totally abstract, inverted, and much more direct way. From the moment the film starts, everything feels different. And not bad different —more like a twisted déjà vu: you know what's about to happen... and yeah, it does happen, but not the way you expected. It’s as if the book you already read started rewriting itself, mixing up pages from the beginning, the middle, and the end, giving you a story that ends similarly... but happier, I think? For someone who already watched the original series, there are a ton of parallels and references subtly scattered throughout, giving more depth to scenes and moments that, without them, wouldn’t have much background. The original anime plays with expectations brilliantly, and this film basically breaks those expectations. Because besides being a complement and/or a parallel story, I see it as a symbolic closure. The movie is confusing as hell, full of WTF moments that make you rethink what you're even watching. Honestly, I wouldn't recommend it to someone who hasn’t seen the series, buuut on the other hand... There are several reasons to watch this film from my point of view: 1. If you want a more satisfying ending to the original anime, a conclusion that's more emotional than symbolic. 2. The animation: Visually stunning, the animation is pure eye candy. Everything looks so beautiful, colorful, and dynamic. There are moments that stick with you simply because of how gorgeous and surreal they are. Also, (almost) all of the anime’s cast got redesigned in a way that makes them feel more mature, so to speak. 3. The sexual symbolism: This movie is full of sexual symbolism, much more explicit than in the original series. There’s a reason it’s called The Adolescence of Utena —I truly think the whole movie is an analogy for growing up, sexual awakening, and the love (and lack of it) involved in the “sexual act.” In fact, I think it does a better job than the original anime in this aspect, because it reaffirms the core message of the story. Which brings us to the next point... 4. The message: The film gives us a message of liberation, challenging structures of power and imposed norms. The original anime already did this in a brilliant way, but it focused more on “revolution.” And while here it’s almost the same, just told differently, I think the movie leans more toward urging us to be free and face reality head-on. And other specific reasons you should watch it include: • The music (although it’s not on the level of the original anime’s soundtrack. Sure, some tracks are reworked, and they’re good, but not WOAH good). • And because it’s trippy as hell. The original anime was weird, but this is a psychedelic trip. Also, I think the movie’s abstract nature kind of threw me off, but at the same time... I loved it, lol. (Also, something I noticed: the lyrics of the original anime’s OP, Rondo Revolution, actually fit this movie way more.) Now I’ll talk with light spoilers about a few specific things I liked and throw some ideas around, sooo... I recommend watching the original anime. And to wrap this up: masterclass, pure gold, Autena4ever. • The role Touga plays here broke my heart… I felt like it was a sort of “I’m sorry” from anime-Touga, an act of love that helped free Utena. He helped her let go and move forward. • Anthy felt more... fiery, lmao. And that’s because both her personality and Utena’s feel inverted (LIKE IN THAT EPISODE), which makes the story way more direct, twisty, and WEIRD. • Honestly, this is what I expected from the original anime: an abstract opera about two lesbians loving each other, lol. (Of course the anime, if you dig into the subtext, is that —but better written.) —Anyway. A weird, symbolic, horny film. I’ll watch it a thousand times because I adored it. //español// ¿Y cómo empiezo un review de esto? La Autena hace Run Run. La Anthy está más rica rica. Y la vida es para follar y ser libre. —Yo, el amo del sexo. The Adolescence of Utena es una versión… ¿alternativa? ¿paralela? ¿ehhh, reboot? del anime Revolutionary Girl Utena (al cual le hice su respectiva reseña acá "Reseñita del anime". La recomiendo leer porque me explayé demasiado y le puse mucho cariño, xd). En parte, nos vuelve a contar los sucesos del anime, pero de una forma totalmente abstracta, invertida y mucho más directa. Apenas la película empieza, todo se siente diferente. Y no diferente en el mal sentido, sino como un déjà vu torcido: sabés lo que va a pasar… y sí, pasa, pero no como lo esperás. Es como si el libro que ya leíste empezara a reescribirse solo, mezclando páginas del inicio, el nudo y el desenlace, para darte una historia que termina de forma parecida… pero más feliz, creo. Para alguien que ya vio la serie original, hay un montón de paralelismos y referencias repartidos por ahí de manera sutil, que le dan más profundidad a escenas y momentos que, sin estas referencias, no tendrían mucho trasfondo. El anime original juega con las expectativas de manera brillante, y esta película básicamente rompe esas expectativas, porque además de ser un complemento para la historia original y/o historia paralela, yo la veo como un cierre simbólico. La película es confusa que te cagas, tiene momentos demasiado WTF que te ponen a reformularte qué estás viendo. Realmente no se la recomendaría a alguien que no vio la serie original, perooo por otra parte... Hay varias razones para ver esta peli desde mi punto de vista: 1. Si quieres darle un final más satisfactorio al anime original de Utena, un final más emocional que simbólico. 2. Por la animación: Visualmente bella, la animación es canelita en rama. Todo se ve tan bello, colorido y dinámico. Tiene momentos que se quedan grabados en tu memoria meramente por lo bellos y surreales que se ven. De igual manera, (casi) todo el elenco del anime tiene rediseños muy bien hechos y que les da un aire más maduro, por así decirlo. 3. El simbolismo sexual: Esta película está repleta de simbolismo sexual, mucho más explícito que en la serie original. Por algo la peli se llama La adolescencia de Utena, porque creo que toda esta peli es una analogía al crecimiento, al despertar sexual y al amor (y la falta de este) que conlleva el “acto sexual”. De hecho, creo que hace un mejor trabajo que el anime original en este apartado, ya que reafirma el mensaje de la obra. Y nos vamos a la siguiente razón... 4. El mensaje: La peli nos da un mensaje de liberación, desafiando las estructuras del poder y las normas impuestas. El anime original ya hacía esto de una muy buena manera, pero se centraba más en “la revolución”. Y aunque aquí y allá es prácticamente lo mismo, pero contado de diferente manera, yo creo que la peli va más por el lado de incitarnos a ser libres y enfrentarnos a la realidad. Y otras cositas puntuales por las que deberías verla son: • Su música (aunque esta no está al nivel de la banda sonora del anime original; claro que reversiona algunas pistas, pero en general está bien, más no WAOS). • Y porque está fumadísima. El anime original era raro, pero esta es un viaje psicodélico. También creo que, la película al ser tan abstracta, me llegó a chocar, pero a su vez me gustó, xd. (Además, algo que noté es que la letra del OP del anime original, Rondo Revolution, va mucho más con esta película.) Ahora hablaré con pequeños spoilers de algunas cositas puntuales que me gustaron y soltaré ideas al aire, sooo… Les recomiendo ver el anime original. Y para cerrar esto: masterclass, canelita en rama, Autena4ever. ________________________________________ • El papel que desempeña Touga aquí me rompió el corazón… Sentí que era como un “lo siento” de parte del Touga del anime, un acto de amor que pudo liberar a Utena. La ayudó a dejar de aferrarse y seguir adelante. • Anthy me pareció más… ardiente, xdd. Y eso tiene que ver con que tanto su personalidad como la de Utena se sienten invertidas (COMO EN AQUEL CAP), y eso hace que la historia tenga giros más interesantes, directos y RARÍSIMOS. • De hecho, esto es lo que me esperaba del anime original: una ópera abstracta de dos lesbianas dándose amor, xd (claro que el anime, si buscás en el subtexto, es eso, pero mejor escrito). -En fin, Pelicula toda rara, simbólica y horny, la vere mil veces porque me encanto.
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Jul 19, 2025
Shoujo Kakumei Utena
(Anime)
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Recommended Spoiler
(English) /// (mas abajo esta español xd)
Revolution is not how you dress, nor how you act. Revolution happens when what makes you different awakens something in someone else. Revolution is inspiration. And sometimes, revolution can be an act of love. Revolutionary Girl Utena always caught my attention, mainly because of its aesthetic and character design. Also, partly because of what people told me it was: “It’s Evangelion, but for girls.” ... (I don’t believe Evangelion is only for men.) “It’s like Evangelion, but with lesbians.” And yeah, I guess it kind of is, lol. And while Evangelion is one of my favorite works nowadays, and it’s true they share some elements, I think Revolutionary Girl Utena goes in a different direction—one I find coherent, intelligent, beautifully crafted, and masterfully executed. Before watching Revolutionary Girl Utena, I thought it was some kind of romantic space opera magical girl anime with an intense political plot—like Lady Oscar mixed with Legend of the Galactic Heroes. To my surprise, it was none of that. It actually has a much simpler premise that slowly cooks, expands, builds up, and deconstructs itself until it reaches a point of no return… It’s the story of Utena, a high school girl who dresses like a prince because of a childhood memory and promise, and a ring that unwittingly involves her in a game of fate, power, and commitment to Anthy—the Rose Bride. From the very first episode, the story is interesting and leaves you wanting more, as you’re introduced to characters that serve as both obstacles and allies to the protagonist, and a world where “duels” are the driving force of the plot. So far, so normal. But what makes this anime cult-worthy and considered a masterpiece is how it plays with viewer expectations to such a degree that EVERYTHING loses (and gains) meaning. The plot twists become increasingly strong and shocking. The characters you thought you had figured out are suddenly given profound depth—so much so that, even when some of them are awful people, you can’t help but care about them and their complexities. Just when you think the story is heading in one direction, it breaks it and goes another way. Then it breaks that too, just to show you the truth. Utena, without spoiling anything, is a magnificent, beautiful, disorienting experience full of symbolism and extreme artistry, drawing heavily from theater and old fairy tales. That’s why the series is divided into acts, and often the dialogue and characters feel like actors performing roles at their peak. It makes everything feel different—more theatrical, more beautiful. The show also uses sexuality as a form of expression, letting us feel what the characters feel without explicitly saying it. This is all complemented by the soundtrack, which—without exaggeration—brings everything to life. Every single track in this anime is amazing, giving the series a more ritualistic, emotional, theatrical, and symbolic tone. It uses choirs and orchestration that feel like the arrival of the apocalypse. Without a doubt, it’s one of the best anime OSTs I’ve ever heard. It’s absolute FIRE and works so well that it feels like another character in the story. And the OP “Rondo Revolution” is one of the best openings I’ve ever heard. I never skipped it, lol. A deeper look (spoilers ahead): All of the characters are broken in one way or another, and that’s what makes the series so emotional and intense at times. Let’s go in order, because from my point of view, this cast is so well-rounded that the story revolves naturally around them, something I rarely see in any show—and I love it. Utena: At first glance, she seems like the energetic, anti-establishment, slightly naive girl who can do it all. And yes, she is that—at first. But over time, she’s completely deconstructed, making you question whether her behavior is really hers or something imposed by someone else. Are her motivations truly her own? She’s incredibly likable—she’s witty, charismatic, brave. She became one of my favorite protagonists. Even though she dresses like a man, she has the heart of a lady, which gives her so many layers. She’s full of love and conviction. She represents the spark, the one who breaks molds and chains—she is the revolution. She’s a character who was manipulated and abused—physically and psychologically. And that’s why, when she stands up after all she’s been through, I see her as strong and courageous. Anthy: Anthy is a mysterious, multi-layered character who can be frustrating at times but is undeniably the most interesting in the series. Technically, everything revolves around her and Utena. She’s the deconstruction of the damsel in distress. She’s submissive, kind, and at the same time cruel and indifferent. She seems to have no will of her own, no dreams or future, because she sacrificed everything for someone she once loved. And even though that love was mutual, that person is no longer there. That dilemma is only resolved in the final act. It’s revealed that she’s not a princess in need of saving, but a witch trapped in eternal suffering, pulling strings like a puppet master in a grand stage play. And it’s not until the very end that she realizes what Utena truly did for her. She’s a princess who became a witch, incapable of doing anything because she believed the story. She raises countless questions throughout the series, and you just want to know more. From my perspective, she represents girls trapped in abusive relationships, who endure violence because they feel powerless… That’s why the ending, while bittersweet, was satisfying in a way. Her relationship with Utena felt ambiguous but beautifully developed. You can feel the love between them, one that was built over time. It’s a love that transcends physicality or words—they understood each other’s pain, shared happy moments, and always tried to support one another, even if they hurt each other in the process. Every relationship has its highs and lows, but the strongest ones learn to stand back up afterward. Saionji: A selfish, manipulative idiot who’s sometimes comic relief. In fact, everything "starts" because of his lack of empathy and class. He seeks love, validation, recognition—but doesn’t know how to get it without trampling on others, which just makes him pathetic. And paradoxically, that’s what makes him interesting. He has a toxic, obsessive friendship/rivalry with Touga. Touga: The president of the Student Council. A playboy with a massive ego who sees everyone as pawns in his game for glory and power. Everything changes when he meets Utena and becomes obsessed with her—because she’s something he can’t have. Like a trophy. A manipulator who was being manipulated all along. Juri: A character I personally love. The episodes that center on her are some of the most beautiful, dramatic, and well-made in the series. Beneath her calm and elegant facade lies a deeply sensitive and broken person, unable to express her feelings in a healthy way, which slowly consumes her in a pit of hatred and melancholy. She clings to something unattainable, lying to herself. At first, she’s a skeptic who doesn’t believe in miracles and wants to prove they don’t exist—leading her to desire the Rose Bride. Miki: I adore Miki. The sweet, smart boy who’s so attached to the past that everything in the present seems imperfect. I read somewhere that he stops his stopwatch at moments he finds perfect. He stars in beautifully nostalgic episodes, questioning whether things were ever as good as we remember them. He’s blind and trapped—like they all are. But his struggles hit me especially hard. It’s tough not to idealize people, places, even the music we play… Nanami: I love and hate Nanami equally. Touga’s sister is a parody/critique of the rich, dumb blonde archetype. In fact, everything that happens to her feels like the show is mocking her kind. She stars in the weirdest and darkest moments of the series. She’s cruel, spoiled, possessive—and has a twisted obsession with her brother. But eventually, you realize she’s deeply traumatized. Her breakdown, the manipulation she’s subjected to—it basically kills her inside. Many of her episodes are experimental: the cow, the curry, the boyfriend, and the most polarizing one—the egg. I know they use absurdism to tell something deeper, but those were the episodes I enjoyed the least, lol. Still, she’s in my top 3 characters. Akio: The prince who was and will never be again. He wants to regain his lost power by orchestrating his ideal play. He seduces, abuses, destroys. That’s why he calls himself “The End of the World.” From his arrival on, everything becomes more surreal—like we’re seeing the world through a lens of desire, knowing he’s evil but letting ourselves be seduced. He’s the core of the oppressive system that Utena refuses to submit to—and ultimately breaks. The Shadow Girls: One of my favorite parts of the anime. They’re cryptic, speak in metaphors and abstract imagery, and provide deep context to the current situation. They’re charismatic, and it’s fun trying to interpret their skits. I screamed like a fangirl when they appeared physically, lol. Every character is broken in some way and incredibly interesting to analyze, with many layers. And best of all, it’s not a small cast. Their dynamics are rich, their interactions complex, and everything flows naturally—characters we thought were minor become key to later episodes and the plot’s progression. It truly feels like everything was meticulously planned. Bravo. Arc Summary: Part 1: The Student Council Arc Introduction to the duelists and their personal motivations. Their inner conflicts, obsessions, and relationships are explored as they compete for the Rose Bride (Anthy) and the power she symbolizes. Part 2: The Black Rose Arc The mysterious Black Rose appears, and we dive deeper into the system behind the duels. Characters connected to the main cast face their true desires and fears. Hidden connections and manipulations surface, pointing toward a greater power (and Mikage, who seemed like a major villain, ends up just a tragic pawn). This is my favorite arc—it’s where everything gets darker, deeper, and starts to make sense. Part 3: Akio Ohtori Arc Akio’s role as the manipulator and heart of the oppressive system is revealed. At first, the arc feels cyclical, repetitive—as if the characters have learned nothing. But it’s intentional. It shows how little willpower they have. In this world, everyone is disposable. Then come the highways, strange conversations, and uncomfortable silences… (The badminton match broke me, man.) Part 4: The Ending / The Real World Arc Utena’s ending is complicated. The first time I watched it, I wasn’t trying to understand—I just couldn’t believe what I was seeing. It’s the will of a girl who wants to break free from oppression, defy the system, ride toward freedom, and spark a revolution. Everything breaks—metaphorically and literally. Akio, her prince, manipulated everything to lead her there. And she was so blinded, she couldn’t see the truth until it was too late. Her innocence, her desire to break gender roles and traditions, ends up consuming her. Because it’s made clear: she idealized everything—her prince, her outfit, even Anthy. She wanted to be a hero but became a revolution instead. So… what is revolution? To me, it’s not literal—it’s metaphorical. Utena dies, but she opens the door. She cries for Anthy. Anthy finally understands, but sadly, she falls. She’s left bleeding while everything collapses. To the rest of the world, Utena didn’t exist—she wasn’t relevant. But to Anthy, she was. Because now she’s finally free of the swords that kept her frozen. Utena isn’t Utena because of her clothes or because she’s different. There are special people, average people, smart, dumb, rich, poor—there’s all kinds. But very few manage to break the cycle, the system, the norm. Very few create a revolution by thinking a little differently—and that little difference is actually huge. Revolutionary Girl Utena carries the word “revolutionary” because sometimes revolution happens when someone dies. Its message is the revolution. And that makes us the revolution. That’s what makes a revolutionary. Utena… with all my heart, I’ll carry your revolution and keep it alive until we meet again. Thank you, Kunihiko Ikuhara. I loved what you wanted to say. Let’s break the cycle. Let’s break the system. And above all, let’s realize. (ESPAÑOL) La revolución no es cómo te vistes, ni cómo actúas. La revolución sucede cuando lo que te hace diferente despierta algo en otro. Revolución es inspiración. Y, a veces, la revolución puede ser un acto de amor. Revolutionary Girl Utena siempre me llamó la atención, principalmente por su estética y el diseño de sus personajes. También en parte por lo que me decían que era: “Es Evangelion, pero para chicas.” (No creo que Evangelion sea solo para hombres.) También me decían: “Es como Evangelion, pero con lesbianas.” Y sí, podría ser, xdd. Y aunque Evangelion es una de las obras que más me gustan en la actualidad, y es cierto que en muchas cosas se parecen, considero que Revolutionary Girl Utena va por otro lado, uno que considero redondo, inteligente y muy bien escrito y planteado. Antes de ver Revolutionary Girl Utena, a simple vista pensaba que era algo así como una ópera espacial romántica de magical girls que tenía una trama súper política, como Lady Oscar combinado con The Legend of Galactic Heroes. Grande fue mi sorpresa al ver que no es nada de eso, que de hecho tiene una premisa mucho más simple, la cual se cocina poco a poco, se va ampliando, construyendo y deconstruyendo hasta llegar a un punto sin retorno… Es la historia de Utena, una chica de “instituto” que se viste como príncipe por un recuerdo, promesa de la infancia y un anillo el cual, sin querer, la involucra en un juego del destino, el poder y el compromiso con Anthy, la prometida de la rosa. La historia, desde el primer capítulo, es interesante y te dan ganas de saber mucho más, ya que te presentan personajes que servirán como obstáculos/aliados para la protagonista y el mundo donde se desarrollan los “duelos”, que son la manera en la que la trama avanza. Hasta ahí, todo normal. Pero la razón por la cual veo que este anime tiene adeptos, es considerado de culto y lo tienen como obra maestra, es por cómo juega con las expectativas del espectador a tal punto que TODO pierde (y cobra) sentido. Los giros de trama se vuelven demasiado fuertes e impactantes, a los personajes ya establecidos se les da una profundidad de la ostia que, pese a que algunos sean “malas personas”, no puedes evitar interesarte por ellos y por semejantes (en su mayoría). Cuando crees que la historia está tomando un rumbo, te lo rompen y van por otro; luego rompen eso para contarte la verdad. Utena, sin entrar en spoilers, es una experiencia magnífica, bella, desconcertante, con mucha simbología extremadamente artística, ya que toma influencia principalmente del teatro y los cuentos de hadas de antaño. Por eso se divide en actos, y muchas veces los diálogos y los personajes parecen actores interpretando un rol de la mejor manera posible. Eso hace que todo se sienta diferente, más teatral, más bello. También usa la sexualidad como medio de expresión para que veamos qué sienten sus personajes sin necesidad de decirlo textualmente. Todo esto es complementado por su soundtrack, que sin exagerar hace que todo cobre vida. Toda pista de este anime es increíble, hace que el tono del anime se sienta más ritual, más emocional, más teatral y simbólico. Juega con coros y una orquesta que parecen fomentar la llegada del apocalipsis. Sin lugar a dudas, es uno de los mejores OST de anime que escuché, porque aparte de ser FUEGO, complementa tan bien la historia que parecería un personaje más. Y EL OP Rondo Revolution es de las mejores introducciones que escuché, nunca me la salté, xd. A continuación, un vistazo más profundo con spoilers: Todos los personajes de una u otra manera están rotos, y eso en parte hace que la obra muchas veces sea muy emocional y que roce los límites. Iremos por orden, porque desde mi perspectiva esta obra tiene un elenco tan redondo que la obra gira alrededor de ellos y avanza naturalmente, y es algo que casi nunca veo que pase, y me fascina. Utena: Protagonista que inicialmente parece la chica energética, antisistema, medio inocente que todo lo puede, y sí, es así al principio, pero tiene una deconstrucción total que te hace dudar si realmente lo que estamos viendo es su verdadero ser y no algo impuesto por un tercero, si sus motivaciones son realmente lo que la mantiene donde está. Es un personaje sumamente querible, tiene la personalidad, la fortaleza, la labia. Se volvió una de mis protagonistas favoritas; aun si viste como hombre, tienes los sentimientos de una dama, y eso hace que tenga tantos matices. Es alguien llena de amor y convicción, ella representa la chispa, el romper esquemas, el romper cadenas, ¡la revolución! Es un personaje que fue manipulada y abusada, tanto física como psicológicamente, y por eso el levantarse después de toda la mierda que pasó hace que me parezca alguien tan fuerte y valerosa. Anthy: Anthy es un personaje misterioso con muchos matices que por momentos se hace odiar, pero es el más interesante de la obra. En teoría, todo gira en torno a ella y a Utena. Es complicado describirla sin entrar en tecnicismos y especificaciones, pero lo intento: ella es la deconstrucción de la dama en peligro; es alguien sumisa, amable y a su vez malvada e indiferente, que al parecer no tiene intereses propios o visión a futuro, ya que sacrificó todo por alguien a quien ama. Y sí, aunque era recíproco ese alguien, ya no está, solo que ese dilema se resuelve en el final de la obra. Se revela que más que una dama en peligro que requiere a un caballero, como lo debería ser Utena, es una bruja atrapada en sufrimiento eterno, manipulando algunos hilos como si todos fueran títeres en una obra de teatro. Y no es hasta el último momento que entiende lo que Utena hizo por ella. Ella es una princesa que se convirtió en bruja incapaz de hacer algo porque se creyó el cuento. Toda la obra solamente te genera preguntas, y te interesa saber más de ella. Desde mi punto de vista, representa mucho a las chicas que están en una relación abusiva y solo aguantan la violencia en vez de levantarse por la impotencia… Por eso el final me dejó satisfecho en cierta parte, pero ya iremos a eso. La relación de Utena y Anthy me pareció ambigua pero bien trabajada; realmente sientes ese amor que se tienen y que se vino trabajando toda la obra. Es un amor que trasciende mucho más que el contacto físico o las palabras, entendieron el dolor de la otra, compartieron momentos felices juntas y siempre trataron de apoyarse aunque se hicieron daño… Los altibajos siempre están en una relación, pero solo las mejores parejas saben cómo levantarse después de estos mismos. Saionji: Un imbécil egoísta y manipulador, a veces alivio cómico. De hecho, todo “empieza” por su falta de empatía y de clase. Busca amor, validación y reconocimiento, pero no sabe cómo conseguirlos sin pisotear a los demás o hacerlos sentir menos, y eso solo lo hace patético. Aunque, paradójicamente, también lo vuelve interesante: tiene una relación conflictiva con Touga, a quien considera su amigo y rival, pero de una forma medio nociva y obsesiva. Touga: Touga, el presidente del Consejo de la Rosa, es un playboy con el ego hasta los cielos que ve a todos como peones a sacrificar en un juego que lo podría llevar hasta la gloria y el poder absoluto. Todo cambia cuando Touga conoce y se obsesiona con Utena; se ve envuelto en un espiral de emociones, ya que ella es algo que no puede obtener, como si fuera un trofeo. Un manipulador que todo el tiempo fue manipulado. Juri: Juri es un personaje que particularmente me gusta; tiene episodios donde ella o algo relacionado a ella es el foco y estos son extremadamente bellos, dramáticos y bien hechos. Juri demuestra que bajo una máscara de indiferencia y elegancia se esconde alguien tan sensible y roto que no es capaz de expresar de buena manera lo que siente, y eso la destruye y la consume en un abismo de odio y melancolía. Se aferra a algo que no puede ser, idealizando y mintiéndose a sí misma. En un principio es escéptica, no cree en los milagros y quiere demostrar que no existen; eso la lleva a querer ser la prometida de la rosa. Miki: Adoro a Miki, el chico lindo, listo e inteligente, el cual está tan aferrado al pasado que todo le parece imperfecto. De hecho, leí por ahí que el cronómetro que usa lo para cuando cree que un momento en específico es perfecto. En fin, es partícipe de episodios sumamente bellos que apelan a la nostalgia de tal vez algo que nunca fue tan bueno como lo recuerda… Está ciego, está atrapado (todos lo están), pero particularmente sus dilemas me golpearon duro porque es difícil no idealizar tanto a gente como a lugares como a la misma música que toca. Nanami: Yo amo y odio a Nanami, por igual. La hermana de Touga es una burla/crítica a la chica rubia rica y tonta de la época. De hecho, siento que todo lo que le pasa en episodios que se centran en ella es meramente para desquitarse con la gente de su calaña. Es partícipe de los momentos más raros y los más densos de la serie; es alguien súper antipática, caprichosa, malvada y que tiene una obsesión enferma con su hermano… Pero llegas a ver que no es tan mala, anda con traumas del pasado y todo se pone peor cuando la manipulación y el juego mental que ejercen sobre ella hace que explote y básicamente muera en vida. Varios de los episodios que protagoniza tienen aires de experimentación, como el de la vaca, el del curry, el del novio y el más polarizante, el del huevo. Sé que en parte se juega con la idea del absurdismo para contar algo mucho más profundo, pero fueron de los episodios que menos disfruté, xd. Aun así, está en mi top 3 de personajes. Akio: Akio, el príncipe que fue y nunca volverá a ser, quiere recuperar su poder perdido a base de mover los hilos de todo y haciendo básicamente su teatro ideal. Seduce, abusa, destruye; por eso se hace llamar el fin del mundo. Desde su aparición todo se pone más denso e irreal, como si viéramos el mundo enamorados de él, sabiendo que es malo pero dejando que nos encante. Es el núcleo del sistema opresor que Utena, no dejándose someter, rompe. Las chicas de las siluetas: Una de mis partes favoritas del anime y quería dedicarles un apartado. Ellas son muy crípticas, hablan en metáforas e imágenes abstractas para darnos un contexto más profundo de la situación en la cual nos encontramos. Son carismáticas y es divertido hallarles sentido a sus actuaciones. Yo me emocioné como niñita al verlas aparecer físicamente, xd. Todos los personajes, de una u otra manera, están rotos y son súper interesantes de analizar porque tienen capas y capas. Y lo mejor de todo es que no es un elenco reducido; tienen buenas dinámicas, interacciones interesantes y todo va alrededor de ellos de una manera natural, ya que los personajes que creíamos que solo servían para el desarrollo de estos o parecían estar de fondo se vuelven clave para episodios futuros y para que la trama avance. Me parece que todo en esta serie estaba planeado meticulosamente para que cada cosa tenga un lugar. Bravo. A continuación, resumiré los arcos para que vean de lo que hablo más a profundidad: ________________________________________ Parte 1: El arco del Consejo Estudiantil Introducción a los duelistas y sus motivaciones personales. Se muestran sus conflictos internos, obsesiones y relaciones mientras compiten por la Prometida de la Rosa (Anthy) y el poder que ella representa. ________________________________________ Parte 2: El arco de la Rosa Negra Aparece la misteriosa Rosa Negra y se profundiza en el sistema detrás de los duelos. Personajes que tienen que ver con el elenco principal enfrentan sus verdaderos deseos y miedos, y se revelan conexiones ocultas y manipulaciones que apuntan a un poder mayor (y aparece Mikage, que parecía un villano importante y solamente fue un daño colateral). Personalmente, es mi arco favorito, ya que desde acá todo se torna oscuro, serio y críptico. ________________________________________ Parte 3: Arco de Akio Ohtori Se expone el rol de Akio como manipulador y núcleo del sistema opresor, el está detrás de los hilos de nuestras marionetas favoritas… Las cuales cierran sus arcos de personaje, de manera por asi decirlo "realista"... Al principio el arco se vuelve cíclico, como un déjà vu, como reciclaje, ya que vemos otra vez combates contra el Consejo Estudiantil y parece que no aprendieron nada, pero a lo que vi esto es intencional para que veas que carecen de voluntad y que todos en este mundo son desechables y manipulables. Para posteriormente ver un montón de carreteras, diálogos extraños y silencios incómodos… (el partido de bádminton me partió, weón) ________________________________________ Y ahora solo queda hablar de: 4. El Final / Arco del Mundo Real El final de Utena es complicado; la primera vez que lo vi, más que tratar de entender lo que pasaba, no me lo podía creer. Es la lucha de la voluntad de una chica que quiere romper las cadenas de la opresión, desafiar al sistema, cabalgar hacia la libertad y crear una revolución. Todo se rompe, metafórica y literalmente. Akio, su príncipe, la manipuló y movió todo para llevarla hasta ahí, solo que ella estaba tan cegada que no pudo ver la verdad desde antes. Su inocencia y sus ansias por romper los esquemas tradicionales y roles determinados terminaron sometiéndola, ya que se nos deja claro que siempre idealizó todo: su príncipe, su vestimenta, a Anthy. Ella quería ser la heroína, pero terminó siendo la revolución. A todo esto, ¿qué es la revolución? Desde mi punto de vista, no es una revolución literal, sino metafórica, ya que Utena muere, pero logra abrir la puerta, sufre por Anthy, Anthy entiende finalmente, pero lastimosamente esta cae; Utena se queda desangrando mientras todo se destruye a su alrededor y finalmente es atravesada por las espadas. Para los demás no existió, no fue relevante, pero para Anthy sí, porque por fin puede liberarse de las espadas que la tenían estática. Utena no es Utena por su ropa o porque es diferente. Hay gente especial y gente común; listos, tontos, ricos, pobres, hay gente de todo tipo, pero hay muy poca gente que logra romper el ciclo, lo ya establecido, el sistema, crear una revolución por pensar un poquito diferente, y ese poquito en realidad es mucho. Revolutionary Girl Utena lleva ese Revolutionary porque una revolución a veces se da cuando alguien muere; su mensaje es la revolución, y eso nos convierte en su revolución, eso es lo que hace un revolucionario. Utena, con todo el dolor de mi corazón, tomaré tu revolución y la mantendré viva hasta que nos volvamos a ver… Gracias, Kunihiko Ikuhara, amé lo que quisiste transmitir. Rompamos el ciclo, rompamos el sistema, no seamos conformistas y, sobre todo, démonos cuenta.
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